Money, money...

Enhorabuena a los que les haya tocado la lotería y tambien a los que no, por seguir vivos. A las gentes del arte, acostumbradas a la crisis permanente, existencial y de bolsillo, este año nos ha resbalado un poco más, si cabe, el tema de la lotería. Sobre todo teniendo en cuenta que esos millones de euros no repartidos en premios irán a la hacienda pública a engrosar los maltrechos presupuestos del próximo año y tapar algunos agujeros presupuestarios (de cultura seguro que no.)

En fín, todo esto viene a cuento por que en algunos países de nuestro entorno y nivel económico, que no cultural (el suyo es manifiestamente mayor), los dineros no repartidos en las loterías que gestiona el estado, revierten de manera automática en el sector cultural. De hecho, son asignados a través de organismos autónomos (consejos de las artes) a diferentes proyectos artísticos, ya sean de artes escénicas, plásticas o visuales.

Alguien podría decir, bueno tal vez sería mejor que fueran a cooperación o dependencia...es una cuestión de prioridades.

Un sueño??

Mientras muchas gentes celebran su éxito de un día y su suerte de lotería, otros muchos se lamentan de lo que pudo ser y no fué. Otro mes de enero en números rojos..y además hay que trabajar!

Para la mayoría de artistas que conozco, la jornada de hoy ha sido irrelevante...una suerte de fiesta popular con espejos por todo el salón...

Millones de euros caminarán huerfanos por unos días para acabar quien sabe donde...

El ejemplo de que existen alternativas lo tenemos en nuestros vecinos...y duele.

Por cierto, cuando aquí se habla de artistas, que nadie piense en Barceló ...sinó en los miles de ellos que se la juegan a diario y que sobreviven gracias a su coraje y talento.

Por ellos!

Ping-Pong

"Madrid es la capital del arte moderno; nosotros lo seremos del contemporáneo", dice el director del Macba, Bartolomeu Martí

"A diferencia de Berlín, hay que tener dinero para ser artista en Barcelona", comentan Lorena Pérez y Dennys Matos, comisarios de la exposición 'Berlin Tendenzen'

La reorientación del Centre d´Art Santa Mònica (CASM) ha levantado una polvareda de reacciones airadas que, más allá de la desaprobación y crítica a las decisiones del Departament de Cultura en torno a este espacio (cambio de contenidos, nombramiento de un nuevo director, Vicenç Altaió, sin concurso previo...), ponen de manifiesto el profundo malestar que recorre el mundo del arte contemporáneo catalán. ¿Acaso Barcelona no es ciudad para artistas? "Más bien es un anti-Berlín, porque no atrae artistas", responde Bartomeu Marí, director del Macba, a quien se une un coro de voces críticas que desplazan el foco del debate hacia cuestiones como la falta de instituciones intermedias entre las galerías y el museo, la urgencia de unos estudios de posgrado de calidad - "los artistas catalanes y españoles salen peor preparados que sus colegas europeos"-o el alto coste de la vida como elemento disuasorio.
"Hay que tener dinero para ser artista en Barcelona", resumen Lorena Pérez y Dennys Matos, comisarios de la exposición Berlin Tendenzen - que pudo verse en La Capella-y buenos conocedores de la escena artística alemana, quienes como primera causa del poder de atracción de Berlín, con sus 25.000 artistas, señalan la existencia de programas de residencia y el bajo coste de la vida. "Barcelona es una ciudad atractiva, pero los costes de los espacios la hacen inasequible para la mayoría de los artistas, que han de marchar fuera", confirma el artista multimedia Chema Alvargonzález, a caballo entre Barcelona y Berlín. Si Barcelona ha sido el punto de partida de tantos creadores de renombre internacional, ¿cuál es su potencial actual?

La Associació d´Artistes Visuals de Catalunya cuenta con algo más de un millar de asociados. La citada asociación, junto con la plataforma Cultura de Base, ha liderado las protestas contra la reconversión del Santa Mònica. "Me parece que se ha desaprovechado una ocasión para un debate público sobre el papel de los centros o fábricas de creación hoy. No creo sorprender a nadie afirmando que el propio modelo Santa Mònica estaba cuestionado por gran parte de la comunidad artística", apunta Berta Sureda, directora de actividades públicas del Reina Sofía y gerente de la Entitat Autònoma de Difusió Cultural de la Generalitat entre el 2004 y 2008. Para Sureda, "Barcelona, aunque atractiva para los artistas, decepciona por su falta de circuitos fluidos de comunicación y colaboración entre los diferentes agentes", que a su juicio pecan de una cierta endogamia.

Y mientras Jordi Martí, delegado de Cultura del Ayuntamiento, confía en que la red de fábricas de la creación eludirá el peligro de que "Barcelona sea un lugar donde pasan cosas pero no se producen", David Bestué y Marc Vives, que actualmente exponen por partida doble en el Reina Sofía y el Santa Mònica, aseguran que "es una ciudad donde ganarse el pan es complicado, pagarse la vida implica la vida misma", y enumeran las carencias que les dicta la experiencia: "Barcelona debe tener una universidad de calidad con conexiones con el entramado profesional, más allá de tres profesores voluntariosos, debe haber espacios para trabajar, producir y exhibir, y el artista debe poder pensar que cuando ha conseguido alguna de esas cosas, no van a cerrar el garito. Para dormir tranquilo". Y concluyen: "Barcelona no sólo no recibe artistas, sino todo lo contrario. El objetivo de los artistas es irse de aquí y eso conlleva un problema de contexto grave por el nivel de calidad y de discurso generado".

Para Bartomeu Marí lo esencial es "la materia gris", el clima intelectual. "El mercado, si tiene que venir vendrá después", y en ese sentido señala como prioritaria la creación de programas de posgrado en la universidad. "Madrid es la capital del arte moderno en España y sería bueno que Barcelona lo fuera del arte contemporáneo - dice-. Hay que crear un ambiente propicio y que el arte contemporáneo tenga relevancia social, pero para eso se necesita al mundo académico: ¿cuántas tesis sobre arte contemporáneo se escriben en las universidades catalanas?". Antonio Mercader, profesor de la UB, dibuja un triste panorama: "En la investigación y la experimentación, la producción y la difusión, la innovación y la transferencia del conocimiento artístico no hemos estado atentos al cambio de escala de los últimos años. Ha sido una derrota en todos los frentes". Y concluye que "con remarcables excepciones, no hemos hecho la renovación generacional de la historiografía del arte catalán, faltan grupos de investigación. No se programan suficientes estudios de posgrado cualificados. La excelencia, ahora que se habla tanto de ella, no se ha consolidado, porque nadie se ha preocupado".

Institution vs. people

DERECHOS DEL USUARIO DE LOS MUSEOS Y CENTROS DE ARTE

La idea de extender las “buenas prácticas” a todos los ámbitos de la vida artística nos obliga a contar también con los espectadores, el público usuario. Se trata de una entidad heterogénea, pues es obvio que no todos los visitantes de los museos y centros de arte poseen el mismo nivel social o cultural. Tampoco son de la misma edad, ni del mismo género, ni poseen las mismas condiciones físicas. Pero el enfrentamiento a la experiencia artística en unos lugares y momentos determinados hace de ellos, temporalmente, un ente relativamente homogéneo susceptible de ser sometido a normas comunes. De ahí la existencia de algunas “reglas” marcadas por la dirección de muchas de estas instituciones. Hay, en suma, cosas que los espectadores pueden (o deben) hacer y otras que no están permitidas. Algunas prohibiciones parecen adecuadas a la naturaleza y a los fines del museo o centro de arte, pero no es infrecuente que el espectador se sienta intimidado o gravemente condicionado, con la sensación de hallarse en un lugar mal adaptado a su función. Parece necesario, pues, extender el concepto de que existen unos derechos básicos del usuario de arte que deben ser atendidos (y adaptados a las
circunstancias de cada caso particular) por los responsables de las instituciones artísticas.

0. El museo debe hacer públicas las normas que regularán la visita, tanto en su página web como en el área de recepción. En ella, debe contar con personal que solucione cualquier duda sobre los contenidos, las actividades y los servicios del museo. Todo lo cual debe estar bien señalizado.

1. Derecho de acceso.
2. Derecho a una razonable comodidad física y psicológica.
3. Derecho a recibir información adecuada.
4. Derecho a ejercer la docencia en el museo.
5. Derecho a que los usuarios puedan generar su propia información realizando fotografías o
vídeos personales.

Documento propuesto por el IAC - Instituto de Arte Contemporáneo

+info en:

http://www.masdearte.com/secvideos/videos.cfm?video=68&origen=boletin

AVLAB 1.0

AVLAB 1.0 ha estado dedicado al sonido y el extenso campo creativo que genera su intersección con la imagen en movimiento, así como a la investigación científica, antropológica y socio-cultural en torno al fenómeno sonoro. Ha seguido la misma dinámica de trabajo que otros talleres de Medialab-Prado: a través de una convocatoria internacional se seleccionaron las 9 propuestas y se buscaron colaboradores con el fin de formar grupos interdisciplinares, creándose un entorno de trabajo y aprendizaje intensamente colaborativo y abierto.

Proyectos:

-E s t a c i ó n  P i r a t a / R o s a A p a b l a z a  

-P u l v e r i z a c i ó n 3 . 0 / D i e g o J a v i e r A l b e r t i 

-V Ì d e o  p a r a  I n v i d e n t e s / F e r n a n d o B a e n a / B e a t r i z C a r a v a g g i o 

-S a n g o m a / J a m e s W e b b  

-W _ s p a c e / T o m T l a l i m / P a o l a T o g n a z z i 

-S p r o c k e t / Maira Sala / B r u n o V i a n n a 

-B r i 2 . 0 / M a r c e l B i l u r b i n a C a m p s / R a u l D i a z P o b l e t e 

-W a v e s t o W a v e s / D a m i a n S t e w a r t / C h r i s S u rge 

-A v i s D a t a / K e p a L a n d a  

Como resultado de la colaboración entre Medialab-Prado y ExperimentaClub 08 se presentan en La Casa Encendida dos de los nueve trabajos desarrollados en el marco del taller de producción AVLAB 1.0. Del 2 al 6 de octubre.

Se realizó un programa especial de Fluido Rosa R3 RNE, que se emitió en directo desde el Medialab. 

http://www.rtve.es/resources/mp3/5/7/1222428978975.mp3

La muestra de resultados se expondrá en el Medialab Prado de Madrid. Del 1 al 26 de octubre.

Medialab-Prado (Área de las Artes, Ayuntamiento de Madrid) está orientado a la producción, investigación y difusión de la cultura digital y del ámbito de confluencia entre arte, ciencia, tecnología y sociedad.

Luto

Cocó era el dj más creativo que jamás he conocido. Como persona era un ser libre, construido a si mísmo y ejemplo para los jóvenes músicos. Como profesional era impecable, virtuoso de su oficio y cumplidor. Siempre se arriesgó en la música, apostando por sonidos y géneros fuera de la convencionalidad que invade la escena musical de España. Era un ser sensible al arte y la creación multidisciplinar. Inquieto como pocos, participó en numerosos proyectos de artistas plásticos y visuales.

En cuanto a la producción musical, creó Silvania y Ciëlo, una extensa discografía de mas de 10 álbumes que abarca desde el shoegazing pop hasta el ruidismo experimental pasando por el minimal techno, el ambient y finalmente el pop, en múltiples proyectos, siempre cambiantes, propios de una mente inquieta y polivalente pero siempre vanguardista.

Han asesinado a un creador, a alguien jóven con talento, a un ser libre y auténtico que convirtió su vida en un statement de coherencia en su carrera musical y trayectoria personal.

Cocó, un beso allá donde estés y hasta pronto.

Porto rocks...

Assorted stencils from Miguel Bombarda St.



Graffitti artist Rivoliçao



Frustration is speeding up...



He paid your petrol bill



So, now you know...

Jumping Jack Flash 2

El recientemente inaugurado Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid en Móstoles, tendrá como director, a partir de septiembre, a Ferran Barenblit (Buenos Aires, 1968).

La decisión ha sido tomada, tras las entrevistas con los candidatos, la semana del 14 de julio en la reunión del Comité de Expertos integrado por, Rafael Doctor, director del MUSAC; Lourdes Fernández, directora de ARCO; José Guirao, director de la Casa Encendida; Isabel Rosell, directora general de Archivos, Museos y Bibliotecas de la Comunidad de Madrid, y Carlos Urroz, asesor de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid.

Este comité, inspirado en el documento de Buenas Prácticas promovido por diversas asociaciones del sector del Arte Contemporáneo, ha sido el encargado de evaluar los perfiles y proyectos que, desde el 17 de mayo hasta el 17 de junio del presente año, han concurrido al Concurso Público convocado para la designación de un director para el Centro de Arte Dos de Mayo en Móstoles, sede de la colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid y, en la actualidad, una de las apuestas culturales más importantes del Gobierno regional en torno a las múltiples expresiones artísticas de nueva creación.

Su candidatura ha resultado la más valorada de entre las 26 presentadas a concurso

Ferran Barenblit ha sido seleccionado por el proyecto museístico presentado en el que combina el rigor en la programación, el énfasis en las actividades complementarias, la acción local en la zona Sur de Madrid y una capacidad de internacionalización del centro a través de sus contactos con instituciones y comisarios europeos.

Barenblit estudió Historia del Arte en la Universidad de Barcelona (1991) y Museología en la Universidad de Nueva York (1995). Entre 2002 y 2008, dirigió el Centre d’Art Santa Mònica de Barcelona. A lo largo de su paso por el centro, y tras una reforma substancial del edificio, se inició un nuevo proyecto en 2003 basado en la articulación de un contexto nacional e internacional, la investigación, el acento en la producción de nuevos trabajos, la generación de un ambicioso programa de actividades, la búsqueda de nuevos formatos para el contacto entre arte y público, y la complicidad con numerosos artistas, comisarios y críticos.

Acoso y derribo S.A.

Foto -JOAN MOREY - POSTMORTEM - proyecto de performance colectivo realizado en 2007 en el CASM de Barcelona

Barcelona Arde en Julio. Y no por ese calor pegajoso o la invasión de turismo tipo "theme park".

No, es por el caso "Santa Mónica", una maniobra de ingeniería política que ha supuesto el derribo de un modelo de centro de arte y una forma de entender la gestión y programación de contenidos y actividades.

Al margen del inutil debate de si la línea de trabajo del centro pudiera gustar o no, lo inadmisible ha sido la injerencia política del gobierno Catalán a través del conseller de cultura. Que esto haya sucedido en Barcelona es un aviso para navegantes y marca una impronta muy chunga de cara a futuro. Apenas recuperado el sector de la desaparición de Metronom y un incierto futuro en la sala Montcada, la comunidad artística contempla como la ciudad se despeña por un caminito trufado de cuatribarradas y debates identitarios de salón...en pleno 2008!!!

La reacción ha sido ejemplar y ahí está la relación de colectivos y plataformas que están intentando mover ficha en un, cada vez más complicado tablero:

A-desk Almazen Antigua casa Haiku Areatangent Arte Bastardo Becupu Comte d’Urgell Crtl-i Diba Festival Dibina Difusor Distritoquinto Duduá Elástico Experimentem amb l’Art Fanzinoteca Ambulant Gràcia Territori Sonor Gracia_crea Heliogabal Interferencia Joystick kbb La Caldera La fundició La Makabra La Mekanica La Olla Express La Pinta La Porta La Santa L’Antic Teatre LaRosa deMartínez Liminalb M.I.# Mad Actions MAS Mau mau Miscelanea Nau Ivanow Nau21 Niu Noo Okupem les ones OVNI Platoniq Por la vena Producciones Doradas Projecte PUBLIC Saladestar Sinapsis Sinergia Sitesize Straddle3 Telenoika Todojunto Tristes tópicos Urbmedia YProductions"

Adjunto llamada a la reunión del pasado día 25 y de la que nos haremos eco una vez conocidas las conclusiones.

"Con alguna gente de distintos proyectos independientes de la ciudad, hemos decidido convocar un encuentro para charlar sobre lo que está sucediendo en el Centre d’Art Santa Mónica.

Se trata de generar un debate en torno al uso político de las instituciones. La idea no sería tanto ver si el proyecto “saliente” era mejor o peor, sino ver hasta cuanto puede tolerar la sociedad civil que los gobiernos de turno tomen este tipo de decisiones sin tener en cuenta, al tomarlas, quienes deberían ser los interlocutores en este tipo de situaciones, ni el panorama que dejan al no prever el impacto que provocan en la red cultural del territorio.
También intentaremos establecer, si es posible, algún tipo de acción o comunicado conjunto con aquellos que podamos ponernos de acuerdo.

Cabe decir que el “sector” de las artes visuales (Associació Catalana de Crítics d’Art, Associació d’Artistes Visuals de Catalunya, Art Barcelona, Art Catalunya, Galeries Independents de Catalunya i Xarxaprod) ya estan promoviendo un comunicado.

Artists get their money back...

La Comisión Europea ha prohibido hoy a 24 sociedades europeas de gestión de derechos de autor, entre ellas la SGAE española, que impongan limitaciones a los creadores para gestionar sus derechos en otros países de la UE. Esta práctica restrictiva "atentaba contra las leyes comunitarias de competencia" y su erradicación permitirá a los autores elegir libremente las sociedades que se harán cargo de sus derechos más allá de las fronteras nacionales.

La decisión, que entra hoy mismo en vigor, permitirá no obstante que las compañías mantengan su sistema actual de acuerdos bilaterales con sociedades de otros países. Bruselas ya abrió en 2006 un expediente a la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC), al considerar que el contrato modelo que utilizan para la gestión de derechos vulneraba la legislación. Tras esta advertencia, las compañías mostraron "cierta voluntad" para adaptarse a las peticiones de Bruselas, y en algunos casos eliminaron las cláusulas restrictivas de los contratos, por lo que la Comisión ha descartado imponer sanciones económicas.

A partir de ahora, las sociedades no podrán incluir en sus contratos la cláusula de afiliación, que impide a los autores elegir quién gestionará sus derechos en otros países y cambiar de sociedad gestora. Además, las sociedades habrán de eliminar las cláusulas de restricciones territoriales, que no permiten ofrecer licencias de explotación de derechos más allá de las fronteras nacionales, y conceden la exclusividad de dichas licencias a una sociedad.

No obstante, la decisión anunciada hoy "no cuestiona la existencia de los acuerdos de representación recíproca, ni afectará a la potestad de las sociedades para cobrar por los derechos que les pertenecen en sus propios países". Con esta medida, Bruselas pretende favorecer la competencia en el sector, pues prevé que las sociedades de gestión de derechos reduzcan sus costes administrativos e incrementen la calidad y eficacia de sus servicios.

Por su parte, los autores disfrutarán de unas condiciones contractuales que les permitirán "unos mayores ingresos por sus derechos, al poder recibirlos de más de un país", señaló Todd. Asimismo, la decisión favorecerá la difusión cultural por cable, satélite e internet, ya que ofrecerá al público una elección más amplia de autores con ingresos más amplios.

Hambre...crisis?

Proyecto autogestionado por 5 artistas. Iniciativa propia en un Madrid atufado de cortesanos de salón y canapés grasientos de catering cutre.

5 artistas con HAMBRE.

No todos me gustan. A algunos admiro y sigo la pista. Gente jóven, brillante y concienciada.

No es una exposición. No es una inauguración. Es una presentación de "trabajos in progress".

Para todos aquellos interesados en el proceso y en asistir en directo al milagro de crear y sobrevivir en Madrid.

Cimientos

Me comenta un colega de profesión acerca del sentido de los links que he publicado en "documents" en este blog.

Hablamos al teléfono durante un buen rato sobre estructuras culturales, gestión ética, compromiso social y "ley de la selva".

Concluimos, que lo que se debería plantear son unas reglas de funcionamiento mínimas, que establezcan unas pautas claras de trabajo y que definan los direrentes roles y funciones de los mediadores culturales.

Un sector que funciona a base de microeconomías en el que se dan situaciones profesionales que en muchos casos rozan la precariedad y la indigencia en algunos de ellos, no puede funcionar (en la práctica) y ser funcional (en los objetivos) al amparo del "todo vale".

Lo ideal sería ir hacia una situación de mayor profesionalización y regulación del sector.

El problema es que en España todo está por hacer en el sector cultural, salvo en cataluña, donde llevan años de adelanto con el desarrollo de un modelo cultural solvente y economicamente sostenible.

En positivo, esta situación tambien puede ser una ventaja para comenzar a construir un sistema sin cometer los errores de modelos anteriores....aunque visto el delirio del sector "ladrillo" es improbable que ello suceda dada la mentalidad local de "auto-machaque" y gusto por el "expolio". Alguien imagina que hubiera sucedido si en 1997 con el PP recién instalado en el gobierno, se hubiera promulgado otra ley de suelo y unos protocolos de construcción respetuosos con el medio ambiente y favorecedores de energías alternativas? Sencillamente que hoy en día estaríamos menos jodidos y más preparados para afrontar la crisis....aahh, y tambien habría un indice porcentual notablemente menor de desaprensivos y nuevos ricos....y uno mayor de profesionales emprendedores concienciados y al día en valores de responsabilidad social.

Volviendo a la cultura, capítulo arte contemporáneo-actual. Hay que comenzar por los cimientos, es decir, educación, educación, educación...(iremos desgranando este tema en sucesivos posts)

Despues, respetar a los artistas y creadores e integrarles en un sistema que les obvia desde cualquier parámetro que se mida (laboral, fiscal, social, etc)

Rescato una reseña que viene a cuento y que es un granito más en esta futura construcción.

"Los artistas plásticos españoles podrán empezar a disfrutar del trozo de pastel que les corresponde en el multimillonario negocio del arte. Por fin van a tener derecho a una participación económica en la reventa de sus obras, aunque para empezar a repartir, antes hay que aprobar la modificación necesaria de la Ley de Propiedad Intelectual.

El Gobierno quiere adaptarse así a la normativa aprobada por el Parlamento Europeo en septiembre de 2001. Este derecho de seguimiento se ha empezado ya a aplicar en otros países europeos, aunque con desigual resultado. Conocido por los franceses como droit de suite, afecta a los autores de obras de arte gráficas o plásticas: pinturas, collages, dibujos, grabados, estampas, litografías, esculturas, tapices, cerámicas, objetos de cristal, fotografías y piezas de vídeo arte, entre otras.

Este derecho se aplicará a todas las reventas en las que participen -como vendedores, compradores o intermediarios- profesionales del mercado del arte tales como salas de ventas, galerías, marchantes de obras y, en general, cualquier persona física o jurídica que realice habitualmente actividades de intermediación en este mercado.

La cantidad media, que habrá de ser siempre pagada por el comprador, se sitúa en torno al 3%, aunque la cifra varía en función del precio. El máximo será el 4%, cuando se sobrepasen los primeros 50.000 euros del precio de la venta. El mínimo, el 0,25%, cuando la primera reventa pase de 500.000 euros. En ningún caso el importe total del derecho podrá pasar de 12.500 euros.

El texto ha sido remitido ya a todas las entidades afectadas. La aplicación puede ser difícil por cuanto no todos los artistas están asociados a VEGAP, la única entidad que gestiona los derechos de los artistas.

Todo el mundo parece estar ahora mismo en un compás de espera hasta que se presenten las alegaciones y se conozca la redacción definitiva. La aplicación de este derecho sobre la reventa en beneficio de los artistas ha levantado ya ronchas en un mercado tan asentado como el francés. El seguimiento de las sucesivas ventas, lo que podría denominarse el currículo de la obra de arte, parece ser la mayor dificultad.

Los artistas consultados opinan que la aplicación de este derecho, reclamado desde hace muchos años por los creadores, tiene que beneficiar a los más jóvenes y a todos aquellos que han entrado en el mercado con ventas muy bajas, y que ahora esas mismas obras disfrutan de precios de escándalo sin que el creador vea un euro extra. "Cuando se trata de grandes herederos, no hay problema", advierte Eduardo Arroyo. "Las familias de Matisse o Picasso pueden controlar su recaudación. Otra cosa son los más jóvenes". El artista y académico Miquel Navarro espera el máximo rigor y añade que él nunca se ha beneficiado de la reventa. "Ni un céntimo. Espero que salgamos rápido de esta injusticia".

Statement

Este es un blog  especializado en cultura contemporánea, en el que información, análisis, crítica y opinión conforman los elementos de una línea editorial respetuosa, siempre elaborada en un marco de comunicación constructivo, transparente y contrastado.

Ideario:

-El acceso a la cultura es libre y universal

-La práctica artística se desenvuelve en términos de libertad absoluta y en territorios donde todo es cuestionable.

-El riesgo, la investigación y el compromiso son los motores de creación del artista / creador de hoy.

-El respeto a las ideas y su reconocimento como valor es la base para un entendimiento entre artistas / creadores y sociedad civil.

-El artista / creador es el propietario de su obra / trabajo y de todos los derechos derivados, y sólo a él corresponde el decidir bajo qué licencia difunde sus proyectos y que entidad profesional se los gestiona.

-El artista / creador debe ser remunerado por su trabajo como cualquier otro profesional. No es admisible que un artista se vea forzado por circunstancias ajenas a él, a ceder, prestar o regalar sus ideas, trabajo y obra.

-La apreciación del arte mejora nuestra calidad de vida, provoca estados de reflexión interior que ayudan a nuestro crecimiento personal y posibilita un mejor entendimiento de la compleja realidad en que vivimos.

-Una sociedad educada desde la infancia en valores de respeto y apreciación del arte, formada y crítica a nivel estético y conceptual, desarrolla mecanismos de criterio individual y capacidad de análisis colectivo, siendo todo ello el mejor antídoto contra la intolerancia, la xenofobia, el nacionalismo radical, el machismo y toda forma de violencia mediática e institucional. 

-La mediación y gestión cultural de proyectos públicos debe estar determinada por una práctica ética que garantice los derechos del artista / creador y asuma la responsabilidad sobre el contrato que se establece de manera natural con una sociedad, a la que el mediador y gestor se deben.

-Nota del editor- 

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