70 años no son nada

¿Qué tienen Sigmund Freud, Alphonse Mucha o Antonio Machado en común?

Muy sencillo, que llevan exactamente 70 años muertos.

El tiempo que debe pasar desde la muerte de un autor para poder "utilizar" sus obras es de 70 años. Desde el colectivo madrileño Left hand Rotation se comprometen a facilitar cada final de año un listado con aquellos artistas, filósofos, políticos y demás personajes populares que han fallecido justo 70 años antes. Por tanto, tomando como referencia este año 2009, acaban de publicar el listado de aquellos ilustres muertos en 1939, donde destacan personalidades como MUCHA, MACHADO o FREUD. Ya se puede ir pensando como reinterpretar sus obras, descubrimientos y discursos. Una propuesta interesante y alternativa para evitar tener problemas con la SGAE.

Eston son los ilustres que ya pertenencen al "común":

- Antonio Machado, Poeta español
- José de Zubimendi, Poeta, periodista y músico guipuzcoano
- Louis Wain. Artista inglés famoso por sus dibujos de gatos
- González Bernal. Pintor, escritor y pensador
- Alphonse Mucha. Pintor y artista decorativo checo
- Manuel Penella. Compositor español
- Havelock Ellis. Sexólogo, medico y activista social británico
- Pablo Gargallo. Escultor español
- Sigmund Freud. Médico y neurólogo austriaco, creador del psicoanálisis
- Stanislaw Ignacy Witkiewicz. Escritor, fotógrafo, filósofo y pintor polaco
- Marlene Grey. Bailarina francesa
- Jörg Mager. Músico alemán
- José Gola. Actor argentino
- Howard Carter. Arqueólogo y egiptólogo Inglés, famoso por descubrir la tumba de Tutankamón
- Arthur Rackham. Ilustrador de libros inglés
- Norman Bethune. Psicólogo e innovador médico canadiense
- Elzie Crisler Segar. Historietista estadounidense, creador de Popeye
- Joseph Roth. Novelista y periodista austríaco
- Armand Nicolet. Creador de la marca de relojes Nicolet
- Walter Leslie Wilmshurst. Escrito inglés
- Orestes López. Músico orquestista cubano
- Harvey Spencer Lewis. Ilustrador y autor de temas esotéricos
- Ford Madox Ford. Novelista y editor inglés
- Jules-Félix Coutan. Escultor francés conocido por el grupo escultórico en la entrada de la Grand Central de New York
- Stefan Zweig. Escritor austríaco
- Gertrude "Ma" Rainey. Primera gran cantante de blues

http://lefthandrotation.blogspot.com/

Creatividad y conciliación de derechos

En noviembre de 1987 se aprobó la Ley de Propiedad Intelectual. Han transcurrido más de veintidós años y esta Ley se ha visto modificada solamente para adaptarse a las Directivas comunitarias en la materia. La regulación que afecta a los artistas visuales es deficiente e incluso, en algunos casos, discriminatoria con relación a los demás autores y al derecho comparado con otros países. VEGAP aboga desde hace años por su revisión. Por otra parte, el Congreso de los Diputados ya ha creado una subcomisión para estudiar una reforma de la Ley.

La Fundación Arte y Derecho y la Universidad Rey Juan Carlos organizaron el 18 y 19 de Noviembre pasado, un Seminario para reflexionar sobre la conveniencia de esta reformar legal y la posible orientación de la misma. El acto inaugural contó con las intervenciones del Vicerrector de la Universidad Rey Juan Carlos, David Ortega, el Presidente de la Fundación Arte y Derecho, Alberto Corazón y el Director del Seminario, Javier Moscoso del Prado.

El primer ponente fue Antonio Delgado. Su intervención fue minuciosa y rigurosa. Este prestigioso jurista, que fue uno de los expertos que contribuyeron en su día a la redacción de la Ley de Propiedad Intelectual, definió con detalle qué aspectos de la Ley han de ser reformados para resolver las dificultades que su aplicación práctica está presentando en los Tribunales de Justicia. Entre otras cuestiones, Antonio Delgado criticó la regulación del Derecho de Participación mediante una ley especial al margen de la Ley de Propiedad Intelectual y la eliminación de la condición de derecho sometido obligatoriamente a su gestión en forma colectiva, pues en la actualidad, con la eliminación de este carácter, no es posible atender a su función social a través del Fondo de Ayuda a las Bellas Artes.

Carmen Tomás y Valiente abordó en su ponencia la posible reforma de la regulación de los delitos contra la Propiedad Intelectual y se centró en la deficiente redacción del artículo 270 del Código Penal para la persecución del plagio. La participación del público generó un interesante debate sobre cuestiones como el intercambio de archivos a través de la Red, la penalización de las actividades de distribución de artículos pirata en el sistema denominado "Top Manta" y las características específicas y diferentes del plagio de las artes plásticas, en los que el plagiario no se atribuye como suya la obra de otro, sino que atribuye a otro una obra que ha hecho él.

José Miguel Rodríguez Tapia examinó la Ley actual desde la óptica de los creadores visuales, analizando las discriminaciones negativas que actualmente se contienen en la Ley española, tanto en la regulación del derecho moral como en el establecimiento de límites a los derechos de explotación. Coincidió con Antonio Delgado en censurar la actual Ley 3/2008 del Derecho de Participación.

El Seminario terminó con una mesa redonda que había generado una gran expectación. La misma estaba formada por los portavoces parlamentarios en la Mesa de Cultura del Congreso de los Diputados, José Andrés Torres Mora, del PSOE y José María Lasalle del Partido Popular, el Subdirector General de Propiedad Intelectual del Ministerio de Cultura, Carlos Guervós y el Director General de VEGAP, Javier Gutiérrez Vicén.

En la mesa se generó un intenso debate sobre la necesidad de adoptar una postura prudente a la hora de reformar la Ley, respetando y protegiendo a quienes crean. Se incidió en la necesidad de contar con un tratado Internacional que regule las actividades en la Red. Además, se hizo hincapié en la urgencia de modificar la Ley de Comercio Electrónico ante la dificultad de perseguir eficazmente los actos ilícitos como consecuencia de la falta de responsabilidad de las empresas proveedoras de internet y aquellas que gesionan los servidores que alojan los datos.

La Fundación Arte y Derecho va a publicar las ponencias en un próximo ejemplar de su Colección Editorial.

www.arteyderecho.org

Infraestructuras emergentes

En 2007, el panorama cultural valenciano estaba en un punto muerto en el que llevaba ya demasiado tiempo instalado, fruto de las políticas que al respecto se habían venido aplicando, políticas más bien orientadas a la producción de espectáculo frente a un posible fomento de una cultura de base.

A pesar de esta desestructuración de partida, ese año fueron emergiendo diferentes propuestas que permitieron pensar en una reactivación de la producción cultural. De hecho, fueron ejemplos como los de LaTejedoraCCEC, Otro Espacio, la Sala Naranja; o hechos paralelos como la consolidación definitiva del Octubre Centre de Cultura Contemporània como un nodo activo de dinamización cultural o, en otro orden de cosas, la reactivación de iniciativas como el Festival de videocreación Mínima, la primera convocatoria de Perifèries o de La Impropia, los que han permitido seguir diciendo que, sí, más allá de la America’sCup o la Fórmula Uno, hay vida inteligente en la tierra valenciana.

La creación en 2008 de la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón (AVVAC) no ha hecho sino confirmar el resurgimiento de una voluntad de colaboración también a ese nivel. Esta asociación, presente ya en la mayoría de las comunidades, intenta paliar una de las muchas carencias que lleva arrastrando, carencias que han sucitado proyectos de análisis del territorio con nombres tan explícitos como “Tomándole el pulso a un cadáver”.

En este contexto, surge en marzo de 2008 la primera propuesta de proyecto cultural Infraestructuras Emergentes. Para ello, se programaron jornadas de debate, talleres y exposiciones a realizar en diferentes espacios de la ciudad, desde museos a universidades pasando por centros de cultura y salas alternativas. Un gran número de actividades que pretendían generar un debate crítico con el que abrir nuevas vías para la gestión cultural independiente, la creación artística y la generación de redes a diversos niveles.

Las jornadas de debate tuvieron lugar en el MuViM y se articularon en cuatro líneas de fuerza. Su estructura combinó las ponencias de antropólogos, filósofos, artistas, profesores y críticos que participaron en las distintas sesiones a lo largo del día, con los foros de la tarde, en los que intervinieron representantes de diversos colectivos de creación, gestión artística y activismo cultural. Estas líneas de fuerza giraron en torno a planteamientos como los modelos de educación del arte, las prácticas artísticas independientes, o los nuevos espacios que suponen las comunidades en red.

A raíz de estos encuentros, surgió la necesidad de constituirse como asociación que trabajara específicamente diseminando estos modelos de producción cultural en diferentes ámbitos y a través de varios soportes, con la intención de multiplicar los focos de creación y difusión por el territorio. Igualmente, la necesidad de articularse en redes con todos los demás nodos de emergencia resultó más fácil ya que las jornadas propiciaron el mutuo conocimiento de los diferentes participantes así como la motivación para trabajar en sinergia.

Barra Diagonal, en tanto asociación orientada hacia la producción de conocimientos, ha estado llevando a cabo una serie de jornadas, seminarios y talleres a lo largo de este año y tiene planificadas otras tantas actuaciones que siguen la misma línea conceptual de cultura de base para el año entrante. Partiendo de una noción básica de educación expandida en la que, desde una posición externa, colabora con instituciones, centros de producción o espacios culturales así como con plataformas autogestionadas de producción cultural, y pretende seguir llevando a cabo una diseminación de acciones comunicativas y de intercambio de conocimientos por el territorio.

Presentación del libro "Infraestucturas emergentes. Sobre producción, gestión y difusión artística"

Viernes 18 de diciembre. 20 horas.

Salón de actos del Octubre CCC. Valencia.


Link descaraga publicación (PDF):

http://www.mediafire.com/?njmnlojzyaz


http://barradiagonal.wordpress.com

Innovación y capital simbólico

Durante los últimos años el concepto de innovación ha sido introducido en la esfera cultural importando algunos de los
significados y connotaciones heredadas de su paso por el mundo de la teoría económica y la gestión. De forma paralela con este desplazamiento ha encontrado nuevos significados y formas de comprenderse que pueden resultar sumamente interesantes. Nos interesa explorar esa noción de innovación que presupone que la cultura es un espacio de producción de conocimiento fruto de procesos de cooperación e interacción entre diferentes agentes. Esto ocurrirá en un espacio en los que los agentes se encuentran conectados, en los que las instituciones públicas, las universidades, los agentes culturales y el sector privado crean circuitos virtuosos capaces de producir y transferir conocimiento e ideas.

La innovación se concibe como un contexto y no como un objeto, es fruto de la inteligencia colectiva y necesita de las cuencas creativas urbanas para nutrirse. Esta noción de la innovación implica un dominio público rico y accesible. Para fomentar esta visión de la innovación, que YProductions denomina “innovación emergente”, es necesario replantear la función de las instituciones y políticas públicas para la cultura. ¿Pueden verdaderamente las instituciones promover una visión emergente de la cultura en detrimento de las formas de producción jerárquicas que han defendido hasta ahora? Esta forma de innovación que se ha inspirado en movimientos como el software libre, sigue modelos cooperativos y no competitivos de generación de cultura, implica modelos de auto-organización e inaugura una reflexión en torno a los valores de la cultura. Esta realidad supone un reto a la política cultural acostumbrada a una idea de cultura como un elemento estático, como una acumulación de objetos que necesitan ser expuestos y protegidos


Simposio internacional ATACD: Changing Cultures, Cultures of Change

Organizado por Goldsmiths University y la Universidad de Barcelona con el apoyo de Arts Santa Mònica y Nederlands Instituut voor Mediakunst, Montevideo/TimeBased Arts, Holanda

Topología, Innovación y Política Cultural

Monika Fleischmann- http://fleischmann-strauss.de/

Jaromil- http://jaromil.dyne.org/

Ronaldo Lemos- http://www.ypsite.net/blog/?p=1199

Artur Serra- http://www.linkedin.com/myprofile?trk=hb_side_pro

Jose Luis de Vicente- http://elastico.net/


Arts Santa Mònica de Barcelona
La Rambla, 7 Barcelona
Sábado 12 de diciembre a las 17 horas


http://www.atacd.net

Run BCN, run...

Ya han sido elegidos por concurso los directores del Picasso (Pepe Serra), Historia de la Ciudad (Joan Roca), La Virreina (Carles Guerra), Macba (Bartomeu Marí), MNAC (Maite Ocaña) y HANGAR (Tere Badía).

El que ha generado más expectativas en los últimos tiempos, por fín, se ha desvelado. El nuevo director del Canódrom, es Moritz Küng.

Mortiz Küng es un comisario independiente, nacido en Suiza y residente en Bélgica, actualmente jefe del Departamento de Exposiciones de deSingel, Centre International d’Art d’Anvers. Entre otros, ha sido comisario del Pabellón Belga en la Bienal de Sao Paulo (2002) y de la Bienal de Arquitectura en Venecia (2008). Ha comisariado exposiciones individuales de los arquitectos Abalos & Herreros, R&Sie-François Roche, Christian Kerez y de los artistas Dominique Gonzales-Foerster, Joëlle Tuerlinck y Heimo Zobernig, entre otros. En Barcelona, en la Sala Montcada, comisarió una exposición con Lara Almarcegui y Adrian Schiess (2004).

Enhorabuena desde aquí!

Hangar...up !

El patronato de la Fundación AAVC (Artistas Visuales Asociados de Catalunya) ha elegido a la investigadora y gestora cultural Tere Badia como nueva directora de Hangar. En el concurso para la dirección de Hangar (2010-2014) han concurrido treinta y dos candidatos, de los cuales dieciséis son residentes en Catalunya, nueve en España, cuatro de países de la Unión Europea y tres centroamericanos. El citado patronato se entrevistó con los cinco finalistas.

Tere Badia (México DF, 1964) tiene una sólida formación académica y se ha dedicado a la investigación en ámbitos como las políticas culturales, las redes, la cooperación cultural internacional y la búsqueda, desarrollo e innovación en la producción artística. Profesionalmente ha estado vinculada a la Fundación Interarts (Barcelona), a la agencia de comunicación Goetzinger + Komplizen (Karlsruhe), y ha redactado el Pla Integral de R+D+i a les Arts Visuals, Catalunya Laboratori, por encargo de AAVC. Actualmente coordina el programa Disonancias en Catalunya, una plataforma de mediación e impulso de las relaciones entre empresas, centros de investigación o entidades públicas y artistas para estimular la innovación.

El programa que ha presentado Badia para los próximos cuatro años (2010-2014) reestructura los actuales servicios del centro atendiendo a las tres fases de la producción artística, la preproducción que contempla formación e investigación, la producción que plantea la ampliación y mejora de los servicios habituales de Hangar (oferta de espacios de taller, espacios polivalentes, asistencia técnica, laboratorio y residencias en el extranjero) y la postproducción entendida como un acompañamiento de los proyectos realizados. El programa de Tere Badia tiene como líneas argumentales su deslocalización (el centro sin paredes), la transversalidad, la política de redes, la transmisión/retroalimentación de conocimientos y la ampliación conceptual de Hangar que va más allá de los artistas, incluyendo a otros agentes como los gestores, los teóricos y los mediadores, y del mismo sector artístico, intentando buscar colaboraciones con otros sectores.

Hangar es un centro de producción de artes visuales gestionado por los propios artistas. Fue creado por la Associació d’Artistes Visuals de Catalunya en el año 1997 y en la actualidad tiene personalidad jurídica de fundación. Ofrece espacios, talleres y platós para la creación y servicios de producción en tecnología digital (edición de video y audio, medialab y laboratorio). En los últimos años ha generado programario libre (software no comercial) aplicado a la creación. Colabora con los museos y centros de arte de Catalunya y del Estado y mantiene un programa de intercambios y residencias de artistas en los cinco continentes. Forma parte del programa Fàbriques per a la Creació que impulsa el Ayuntamiento de Barcelona, de la Xarxa d’espais de producció d’arts visuals de Catalunya, y cuenta con la financiación del CoNCA (Consejo de las Artes de Catalunya).

www.hangar.org

Trabajar en red

Ya no es una novedad en nuestro país la emergencia y relativo afianzamiento —dentro de la precariedad— de proyectos que se mueven flexiblemente entre lo artístico, lo político y lo pedagógico, por mencionar sólo algunos de los territorios que transitan. Lo que se precisa todavía es una reflexión teóricamente informada sobre los mismos desde una posición comprometida, que a su vez sirva para construir un corpus de documentación y debate imprescindible para consolidar este campo de estudio e intervención.

El Centro José Guerrero presenta, del 1 de diciembre al 14 de febrero, una muestra de los casos de estudios que se incluyen en el Archivo Relacional del proyecto: Center for urban pedagogy (New York), Peter Dunn + Loraine Leeson + Community Poster Project (Londres), Wochenklausur (Viena), Fátima Group United + City arts (Dublín), Plattform (Londres), Ala Plástica (Argentina), Temporary Services (Chicago), REPOhistory (Nueva York), AREA (Chicago), Atelier d'architecture autogérée (ParÍs), Oda projesi (Galata, Estambul), Learning Site (Copenhague), Aulabierta (Granada) + Cartografía experiencias nacionales. Dentro de este marco general, se pretende investigar y activar iniciativas en las que se articulen de manera flexible las prácticas artísticas, la intervención política y la educación a partir de la acción de colectivos interdisciplinares.

Paralelamente, del 2 al 4 de diciembre, se llevará a cabo el seminario dialógico internacional Negociaciones culturales. Articulaciones de las pedagogías colectivas y las políticas espaciales, en el que varios de los colectivos presentes en la exposición presentarán sus proyectos.

TRANSDUCTORES surge a partir de la invitación del Centro José Guerrero a Aulabierta para colaborar en la construcción de un proyecto pedagógico y relacional que tomase las pedagogías colectivas, las políticas del espacio y las redes locales como elementos de trabajo para conformar un archivo de casos y un programa que contribuyese a expandir las acciones del museo en la provincia de Granada. El reto era cómo superar un modelo ya conocido de comisariado relacional y de archivo como el que se vio en Democracy de Group Material, Collective Creativity de What, How & For Who (WHW), la exposición de NGBK en Berlín sobre Loraine Leeson Art for Change: Loraine Leeson. Works from 1975 to 2005, o la celebrada entre nosotros Desacuerdos, coproducido por el MACBA, Arteleku, UNIA y el Centro José Guerrero, con su gama de acciones y redes sociales implicadas. Con dicha voluntad de superación se concibió el archivo como un elemento orgánico y pedagógico, algo vivo que debería enraizarse en lo local y relacionarse con otros grupos y situaciones. Lo cual suponía alejarse de un modelo de gestión cultural más formal, o sólo centrado en la recopilación de materiales de proyectos situados dentro del marco conceptual apuntado para pasar a construir y gestionar colectivamente precisamente aquello que se trataba de estudiar y recoger en el proyecto.

TRANSDUCTORES. Pedagogías colectivas y políticas espaciales es un proyecto del Centro José Guerrero de Granada, ideado desde Aulabierta, y coproducido por la Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento y el Ministerio de Cultura, que incluye la puesta en marcha de seminarios y talleres de formación, la construcción y exposición de un archivo relacional, el trabajo con agentes locales y la edición de diversas publicaciones.

www.centroguerrero.org

Estrategia común...por fín!

El ministro de Asuntos Exteriores y de Cooperación, Miguel Ángel Moratinos, y la ministra de Cultura, Ángeles González Sinde, han firmado en el Congreso de los Diputados un convenio para el desarrollo de un plan denomidado "Estrategia Reforzada para la Promoción de la Cultura Española en el Exterior". Con esta iniciativa, ambos ministerios pretenden impulsar una estrategia coordinada que promocione la cultura española más allá de nuestras fronteras a través del trabajo conjunto, la coordinación interministerial, la transparencia y la profesionalidad. Esta estrategia abordará, entre otros, el futuro Plan Nacional de Acción Cultural en el Exterior, cuya elaboración será responsabilidad de una Comisión de Trabajo conjunta que, de manera bianual, fijará las áreas y sectores prioritarios para la promoción de nuestra cultura en el mundo.

Además, se reforzará la coordinación interministerial en varios aspectos. De esta forma, el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación se interesará por la opinión del de Cultura en el proceso de selección de los consejeros culturales de las Embajadas de España. Por su parte, el departamento de González-Sinde creará un programa de becas de especialización en gestión y promoción de la cultura. Por último, se reforzarán las actuaciones de ambos ministerios para promover la cultura española en Europa y para impulsar también la cultura europea en el mundo.

En diciembre de 2008 el entonces ministro de Cultura, César Antonio Molina, reclamó públicamente la coordinación de toda la actividad cultural del Estado: "La cultura abre mercados, extiende las relaciones diplomáticas, por eso es necesario que la promoción de ésta en el exterior se realice con la coordinación debida entre todos los que intervienen en ella. Dicha coordinación debe ser única". Molina tildó de "absurdo" el hecho de que ese mando único no dependiera de su departamento. Pero el ministro de Cultura fue más allá: "Industria no tiene un ministerio para la política interior y otro para la exterior. Defensa, tampoco. Pues nuestra cultura se rige de manera diferente en el interior que en el exterior. Es el único sitio en el que ocurre eso".

Se sabe en círculos políticos que ese posicionamiento público de Molina apostando por un mando cultural único generó tensiones tanto en el gobierno como en el PSOE (no hay que olvidar que Leire Pajín, su secretaria general, fue secretaria de estado de Cooperación). El Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación cuenta con el Instituto Cervantes (al que aporta el 90 por ciento de su presupuesto) y la Sociedad Estatal de Acción Cultural en el Exterior (SEACEX). Ahora, ambos departamentos consideran que la acción cultural exterior constituye una parte esencial y de creciente importancia en el marco de la proyección de las relaciones internacionales de España; y es, además, un factor esencial en la percepción de nuestro país, por lo que constituye un elemento fundamental de la diplomacia pública. La asunción de esta importancia estratégica en la política cultural por parte de exteriores le costo en su día el puesto a Molina.

Es de esperar por tanto, que una vez que se ha cerrado esta vieja polémica competencial, los mecanismos de coordinación que se creen entre los dos ministerios sean eficaces desde el primer momento y se genere una estrategia con la misma dirección.

PROFORMA

Proyecto desarrollado por los artistas Txomin Badiola (Bilbao, 1957), Jon Mikel Euba (Bilbao, 1967) y Sergio Prego (San Sebastián, 1969) para el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, consistente en una cuarentena, una reclusión de 3 artistas del 8 de febrero al 20 de marzo en sus exposiciones junto a un grupo de 15 voluntarios, con un programa de 30 ejercicios para ser completados en 40 días. Esta experiencia de trabajo artístico, dentro de un dispositivo de exposición, tendrá como objetivo la transformación, tanto de las personas implicadas como de las propias exposiciones.
Los agentes que internamente compondrán PROFORMA serán: sus 3 directores -Badiola, Euba, Prego-, un grupo de 15 voluntarios y los recursos humanos del MUSAC.

PROFORMA será una producción que funcionará en base a un programa de 30 ejercicios distribuidos en módulos horarios de 2 horas (ejercicios de 2, 4 o 6 horas). Los ejercicios consistirán en la realización de un acto productivo, es decir, de un momento generador de experiencia, de pensamiento o de cuerpos físicos. Estarán vinculados a obras en la exposición, respecto a las cuales representarán su posibilidad de desarrollo y transformación.

Se buscan personas vinculadas a la práctica del arte –no necesariamente sólo de las artes plásticas– interesadas en la participación activa en una experiencia del arte como modo de conocimiento y comunicación. A los participantes se les pedirá un compromiso con el exceso que PROFORMA representa; un exceso, tanto en la duración de sus actividades presenciales (40 días 8 horas al días), como en la intensidad marcada por el ritmo de los ejercicios, por las condiciones de aislamiento y concentración. Será imprescindible la presencia continuada de los participantes durante 6 semanas de lunes a sábado en jornadas de 8 horas diarias.

Para cualquier consulta: primerproforma2010@musac.es

Más información en

www.musac.es

Arsgames

Arsgames 09 es un festival de cinco días de duración, cuya sede principal será La Casa Encendida, con actividades en el Instituto Cervantes y el espacio OffLimits. Arsgames 09 es el primer festival de estas características en España, con todo tipo de actividades multidisciplinares abiertas al público (salvo los talleres). Cuenta con la participación de los colectivos más interesantes de Europa (A MAZE, Zemos98), bajo la dirección del grupo homónimo, Arsgames.

El colectivo Arsgames pretende acortar la brecha entre el fenómeno de los videojuegos y su importancia en el mundo de la cultura contemporánea. Mediante eventos, publicaciones y un intenso enfoque a las posibilidades de internet a la hora de salvar distancias geográficas, el colectivo cuenta con especialistas en todas las áreas de la investigación y difusión cultural: un equipo cuya actividad y energía pone las semillas del primer movimiento propio del siglo que habitamos.

Conciertos, mesas redondas, talleres, proyecciones, actividades escénicas… Entre el martes 17 y el domingo 22 de noviembre, el colectivo Arsgames saca a los videojuegos de los confines de las pantallas de las consolas y los ordenadores para acercarlo al público más inquieto.

Durante cinco días, todas las disciplinas artísticas tienden la mano al medio cultural más interesante del siglo XXI, con la intención de establecer un diálogo entre tecnología y arte, entre el juego digital y el espectador del nuevo milenio. Una intensa programación dirigida a todos los públicos, abarcando desde formatos tan novedosos como el machimina (la unión entre cine y videojuegos) hasta sesiones de chiptune (música electrónica basada en las consolas de la Generación Nintendo).

Mesas redondas a cargo de las figuras más influyentes del arte basado en videojuegos, talleres destinados a abrir nuevos horizontes en la cultura digital, proyecciones inéditas, conciertos inspirados en la adrenalina y el frenetismo del videojuego clásico… Todo repartido en un plantel de invitados nacionales e internacionales, con la colaboración de La Casa Encendida, el Instituto Cervantes, el Goethe Institut y Medialab Prado, con un sólo objetivo: redefinir la relación entre arte y videojuegos en el evento cultural más interesante del mes.

http://arsgames.net

Madrid toma nota

El pasado mes de agosto, un grupo de alrededor de 200 artistas alemanes encabezado por Daniel Richter, ocuparon una docena de edificios deshabitados en el histórico distrito de Hamburgo llamado “Gängeviertel”, cuya venta y demolición estaba oficialmente programada. Entraron en ellos y comenzaron a establecer estudios y galerías de arte, declarando que "existiendo tanto sitio vacío disponible en la ciudad portuaria, el gobierno debería proporcionar un espacio accesible a los artistas que viven allí, además del hecho de que los edificios históricos deben ser conservados, en lugar de derruidos".

A día de hoy, los artistas siguen ahí instalados, han recibido en sus improvisados espacios a más de 10.000 visitantes y han obtenido más de 20.000 firmas solicitando la conservación de los edificios, que ya han sido vendidos a una empresa holandesa, llamada Hanzevast, quien a su vez tiene aprobados sus planes para demolerlos y convertirlos en nuevos edificios de oficinas, apartamentos de lujo, tiendas y cafés.

El hecho es que aunque no se ha conseguido garantizar la salvación del distrito, sí se han logrado algunos avances significativos encaminados a la posibilidad de adquisición de estudios y galerías a un precio asequible para los artistas.

Recientemente, Christine Ebeling, representante del grupo, llamado "Komm in die Gänge", anunció que las autoridades de la ciudad se habían ofrecido a cederles el uso de espacios vacíos propiedad del gobierno, a cambio de que el grupo accediera a abandonar los ahora ocupados en el barrio de Gängeviertel, que deben ser entregados a la compañía propietaria legalmente.

A pesar de que Ebeling ha declarado que "Aún no hemos decidido nada", tanto el grupo de artistas como Hanzevast han expresado su disposición a reunirse para discutirlo. De momento, la mesa redonda que estaba prevista para esta semana en la que participarían los artistas, los propietarios y varios representantes del gobierno, ha sido cancelada. Seguiremos atentos a estos hechos para informaros.

Podría pasar algo así en una ciudad española?

En Madrid se presentan la próxima semana los estudios para artistas promovidos por el ayuntamiento de la ciudad y gestionados por AVAM. El número inicial es raquítico (4 estudios) pero abren una esperanza de institucionalizar, via presupuestos y propuestas accesibles de suelo, la necesidad urgente de espacios para artistas y colectivos que trabajan con el tejido cultural de Madrid.

El acceso a los mismos será por convocatoria. La primera convocatoria de TALLERES AVAM para artistas plásticos y visuales tiene como objetivo facilitar el acceso de los creadores a espacios de trabajo en la ciudad de Madrid para el desarrollo de su actividad profesional.

TALLERES AVAM es fruto de la colaboración entre el Ayuntamiento de Madrid, a través del Área de Las Artes y la Empresa Municipal de Vivienda y Suelo, y la asociación de Artistas Visuales Asociados de Madrid (AVAM).

www.avam.net

Premio super-merecido

Nacho Criado ha ganado el Premio Nacional de Artes Plásticas que concede anualmente el Ministerio de Cultura y está dotado con 30.000 euros.

Criado pertenece a ese grupo de artistas españoles como Isidoro Valcárcel Medina o Esther Ferrer que, sin centrarse en un arte para el mercado, "no se ha entregado a ornamentos ni a camuflajes. Su arte no está pensado para ser mercancía", agrega el crítico. En sus inicios mediado de los años 60 se preocupa por el reduccionismo formal, el comportamiento del material así como aspectos procesales y espaciales en su obra que mas tarde lo aproximaran a tendencias conceptúales, minimalistas o povera siempre desde una concepción muy personal. Desde 1970 las constantes de su trabajo se dirigen hacia una ampliación y liberación de lenguaje que le permita adecuar de manera abierta y precisa la idea y su materialización dando con ello prioridad a aspectos tales como la experiencia del tiempo, la identidad y la condición híbrida de la práctica artística.

El jurado del Premio ha estado presidido por la directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, Ángeles Albert, y ha estado integrado por Esther Ferrer, Premio Nacional de Artes Plásticas de 2008; Agustín Pérez Rubio, director del MUSAC Bartomeu Marí Ribas, director del MACBA, Anna María Guasch Ferrer, crítica de arte; Isabel Tejeda Martín, crítica de arte y Mariano Navarro Herranz, crítico de arte, por la Revista "Artecontexto".

Desde aquí.....Enhorabuena Nacho!

Cambio de rumbo

María Inés Rodríguez es desde el pasado 1 de noviembre la nueva conservadora jefe del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (León), y nuevo miembro de su Comité Asesor. Rodríguez nació en Colombia, estudió Bellas Artes en la Universidad de Los Andes de Bogotá y realizó un postgrado en la École Supérieure d’Art Visuel en Ginebra.

Durante 2008 y 2009 ha sido comisaria de la Programación Satellite del Jeu de Paume de París (Mario García Torres, Vasco Araújo, Agathe Snow, Irina Botea, Christophe Bruno, Andreas Angelidakis y Angelo Plessas), y ha dirigido el seminario Modelo para armar, con Cuauhtemoc Medina, Magali Arriola, Sofía Hernández Chong, Julieta González, Pablo León de la Barra, Lisette Lagnado y Tania Bruguera.

También ha sido editora de la publicación de arte francesa Point d’Ironie en París (fundada en 1997 por Agnès b., Christian Boltanski y Hans-Ulrich Obrist). Desde 2008 es comisaria de la Colección Berezdivin– Espacio1414- en San Juan de Puerto Rico. Desde 2006, también forma parte del Comité Curatorial Artist Pension Trust de Latinoamérica. María Inés Rodríguez es miembro de CIMAM, el órgano internacional más importante dedicado exclusivamente a los Museos y Colecciones de Arte Moderno.

Como comisaria independiente y crítica de arte, Rodríguez ha trabajado en exposiciones y promovido proyectos en torno a las estrategias de apropiación del espacio público en diferentes espacios de arte contemporáneo, relativos al arte, diseño, arquitectura y urbanismo. En 2007 y 2008 comisarió Sueño de Casa Propia (con Pablo León de la Barra) que se exhibió en BAC/Centre d’ Art Contemporain - Centre d’édition contemporaine, Ginebra; Casa Encendida, Madrid; Casa del Lago, Mexico City y Vimcorsa, Córdoba)

Interesada en las ediciones impresas, ha organizado conferencias y exposiciones relativas al tema. En 2004 creó Tropical Paper Editions, con el objetivo de desarrollar proyectos de ediciones de artistas. También ha publicado los periódicos Instant City y Bogotham City.

María Inés Rodríguez ha recibido las becas Fondation Patiño - Ville de Genève en 1994, American Center Foundation en 2006, y una residencia en Apex Art Center en New York en 2007.

Convocatoria proyectos

Espacio Abisal seleccionará hasta tres proyectos para su programación de 2010 con el fin de apoyar aquellos trabajos que provengan de artistas jóvenes o colectivos artísticos, se vinculen a una investigación curatorial o cuyo formato sea distinto al tradicional espacio expositivo, siempre que todos ellos se enmarquen dentro de la producción artística contemporánea y presenten un alto grado de experimentación.

Los dossieres incluirán una breve descripción del proyecto, así como toda la información necesaria para su comprensión, fotografías de las obras a presentar, un esquema de su colocación en sala, la ficha de inscripción debidamente cumplimentada y el documento de aceptación de las bases de esta convocatoria firmado (ambos descargables de la página web de Espacio Abisal).

Será obligatorio presentar el dossier en formato PDF en la dirección espacioabisal@gmail.com con el asunto “convocatoria 2010” (si además fuese necesario un dossier “físico”, éste será enviado al apartado de correos 1042 de Bilbao)

La fecha límite de recepción de proyectos será el 30 de noviembre de 2009.

DESCARGA LAS BASES EN:

http://www.espacioabisal.org/es/varios.php

Prints are cool

FAST GALLERY estará en la XVII edición de la Feria Internacional de Arte múltiple contemporáneo, ESTAMPA 09, que tendrá lugar entre los días 28 de octubre y 1 de noviembre en IFEMA. Allí daremos comienzo a nuestra cuarta experiencia: FAST GALLERY n. 4, “Para llevar”. Durante estos cinco días nos encontraremos en un pequeño estand dentro de la sección book-IN, el espacio de la feria dedicado a la exposición, promoción y venta de ediciones de autor.

En FAST GALLERY n. 4, “Para llevar”, presentaremos nuestro proyecto “KIT”, una iniciativa artística que consiste en una pequeña exposición dentro de una caja de edición limitada, que se podrá adquirir en nuestro estand. El “KIT” contiene las piezas de cinco colaboradores muy especiales: Rafafans ( http://menaje.blogspot.com), Alberto Masa (http://albertomasa.blogspot.com), Hélène Bergaz (http://www.helenebergaz.net), Christian Fernández Mirón (http://www.fernandezmiron.com) y Carlos Monleón (http://cargocollective.com/bloom). Para la ocasión, todos han realizado una pequeña obra para montar un espacio expositivo en cualquier lugar.

Además, en FAST GALLERY n. 4, “Para llevar”, se podrán adquirir desde fanzines hasta vinos de autor pasando por piezas seriadas y otros proyectos de edición que hemos seleccionado. Contaremos con colaboradores como Rara de Raro, Jerseys para los monos, Daniel Entonado, Bubi Canal, Pablo Pérez Sanmartín, Rubenimichi, JHH Fanzine, Galería El Columpio, Autoplacer, Uncode Fanzine, Ilde, Grande Graphix, Argot, New Papers, Olaf Ladousse y 10x15, entre otros.

Cada uno de los días de la feria habrá pequeñas acciones en las inmediaciones de nuestro estand y encuentros con los diferentes artistas del FAST GALLERY "KIT".

FAST GALLERY n. 4, “Para llevar” @ ESTAMPA 09
ESTAMPA 09: Feria Internacional de Arte múltiple contemporáneo. XVII Edición.
Estand: BOOK IN 12

Del 28 de octubre al 1 de noviembre.
Recinto Ferial Juan Carlos I. Feria de Madrid. Pabellón 10

http://www.estampa.org


Fast Gallery VERSUS Disco Inferno.

Además, para el comienzo de esta cuarta experiencia de FAST GALLERY, el miércoles 28 por la noche, celebraremos la fiesta VERSUS, en la planta de abajo del Club Zombie, en colaboración con el colectivo Disco Inferno.

Miércoles 28 de octubre @ CLUB ZOMBIE (Red Box, downstairs), de 0 h. a 6 h.
Djs: Me High y Replicante
Photoshoot by Eduardo B. Muñoz & Arantxa Boyero
Hosted by FAST GALLERY Committee.
CLUB ZOMBIE: Charada Club de baile, c. Bola, n. 13.

http://www.facebook.com/event.php?eid=197118782467&ref=share

Crear RED

Un proyecto iniciado por Liquidación Total en colaboración con el Goethe-Institut Madrid, el Foro Cultural de Austria y los Agentes Artísticos Independientes de Madrid (AAIM) , plataforma que aglutina espacios e iniciativas independientes de productores de cultura contemporánea de Madrid y que desde el año 2006 mantiene un diálogo con el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid para el reconocimiento y apoyo de esta escena.

El eje central de trabajo de MODIFI #0 es articular el debate alrededor del estado actual de la producción cultural independiente desde el punto de vista del espacio cultural como lugar de producción de espacio social. Se ha realizado una selección de participantes basada en la diversidad de propuestas, contextos, políticas de trabajo y situación dentro del tejido cultural del país.

En paralelo, a través de MODIFI #0 se pretende estrechar lazos y facilitar y acelerar el intercambio de información y conocimiento entre la escena local de Madrid y otros agentes culturales de dentro y fuera de las fronteras del Estado Español, con las miras puestas en una revisión y replanteamiento de las tácticas y estrategias de producción cultural independiente frente al nuevo paradigma de “industrias culturales”.

http://www.modifi.es

La cultura en cifras

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde ha presentado las cifras del presupuesto de su departamento para 2010 que contará con 867,2 millones de euros. Según la ministra, se trata de un presupuesto "austero que contribuye solidariamente a la política de contención del gasto público anunciada por el presidente del Gobierno. No obstante, el presupuesto es equilibrado y responsable y avala el cumplimiento de los principales objetivos del Ministerio que se centran en fortalecer las industrias culturales y de la creación; garantizar el acceso de los ciudadanos a la cultura; mejorar la colaboración, cooperación y difusión de las culturas de España y optimizar los recursos y flexibilizar y automatizar la gestión interna".

Es oportuno decir que el Ministerio de Cultura es, tras el de Ciencia e Innovación, el que mayor recorte va a sufrir en 2010: un 11,04%

Del total de 867,2 millones de euros, 558,6 millones irán destinados a los diferentes organismos públicos dependientes de Cultura, repartidos de la siguiente forma:

- INAEM: 169 millones de euros.
- ICAA: 120,5 millones de euros.
- Gerencia de Infraestructuras: 119,1 millones de euros.
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: 54,9 millones de euros.
- Biblioteca Nacional: 47,6 millones de euros.
- Museo del Prado: 47,5 millones de euros.

Presupuesto por programas

El desglose del presupuesto del Ministerio por programas es el siguiente:

- Cooperación, promoción y difusión cultural exterior: 19,2 millones de euros.
- Archivos: 52,8 millones de euros.
- Bibliotecas: 95,6 millones de euros.
- Museos: 220,2 millones de euros.
- Promoción y cooperación cultural: 37,6 millones de euros.
- Promoción del libro y las publicaciones culturales: 14,2 millones de euros.
- Fomento de las industrias culturales: 29,6 millones de euros.
- Música y danza: 116,2 millones de euros.
- Teatro: 50,2 millones de euros.
- Cinematografía: 123,1 millones de euros.
- Consevación y restauración de bienes culturales: 39,4 millones de euros.
- Protección del patrimonio histórico: 11,5 millones de euros.
- Otros programas (servicios generales, exposiciones, etc.): 57,4 millones de euros.

Apoyo a los sectores

Cultura destinará 112,4 millones en apoyo a la creación, lo que supone un crecimiento del 11% respecto a 2009.

- Música y danza: 6,53 millones de euros (+16,2%).
- Teatro: 7,01 millones de euros (3,24%).
- Fondo: 89.393 euros (+1,58%).
- Bellas Artes y Patrimonio Histórico: 1,3 millones de euros (+54%).
- Libro: 8,2 millones de euros (+8,7%).

El apoyo a las empresas innovadoras aumenta en 10,4 millones de euros, lo que supone un 84,75% más que el año anterior:

- Acción y promoción cultural: 3,15 millones de euros (+47,2%).
- Formación profesionales del sector: 970.000 euros (+94 %).
- Becas: 1,2 millones de euros (+ 20%).
- Ayudas a la inversión: 3,2 millones de euros (+60%).
- Oferta segura en la red (nueva): 1,9 millones de euros.

Patrimonio cultural más accesible

Cultura destinará 7,34 millones de euros para promocionar el turismo cultural y facilitar el acceso de los ciudadanos al patrimonio histórico-artístico, lo que supone un 93,2% más que en 2009.

- Becas y formación: 312.000 euros.
- Inversión en nuevas tecnologías: 1.481.000 euros.
- Ayudas a la promoción del turismo cultural: 490.000 euros.
- Vía de la Plata: 225.000 euros.
- Ciudades Patrimonio: 270.000 euros.
- Proyectos de difusión y conservación de bienes del Patrimonio Mundial: 2.290.000 euros.
- Canal Cultura TVE: 1.540.000 euros.
- Varios: 735.000 euros.

Asimismo, se "va a dar cumplimiento a los compromisos del Gobierno en materia de infraestructuras culturales", continuando con proyectos como el Museo Arqueológico Nacional, dotado con un presupuesto para 2010 de 8,3 millones de euros; el Centro de Restauración y Conservación de Fondos Fílmicos (en Pozuelo de Alarcón, Madrid), dotado con 5,7 millones de euros, o el Museo Palacio de la Aduana de Málaga, con una dotación de 5,6 millones de euros.

En cuanto a las infraestructuras culturales puestas en marcha, el presupuesto para 2010 es el siguiente:

- Centro Nacional de las Artes Visuales (con sede en el antiguo edificio de Tabacalera en Madrid): 1 millón de euros.
- Centro de la Memoria Histórica en Salamanca: 1,6 millones.
- Centro Nacional de las Artes Escénicas y Músicas Históricas en León: 0,8 millones.
- Centro Nacional de la Moda y el Diseño (en el espacio Matadero Madrid): 3,5 millones.
- Teatro de la Comedia: 3 millones de euros.

H.E.L.L.O.

H.E.L.L.O da nombre a la instalación específica concebida por Jota Izquierdo para La Gallera. La pieza remite en parte a la fascinación que ejerce sobre el artista la cultura cinematográfica y en especial aquella que, bien sea desde la ficción o desde el registro documental, incorpora sucesos o acontecimientos extraordinarios. Pero más allá de esto, el film de Spielberg representa una brillante excusa para llevar a cabo una reflexión sobre la brecha existente entre la realidad y los mecanismos de desvío y ocultación que operan sobre nuestra percepción.

La Gallera, el antiguo recinto construido a finales del siglo XIX se impone con una fuerte presencia a través de su tipología arquitectónica. Como sucede en todo espacio “escénico”, su estructura espacial estaba pensada en origen para favorecer la visión del espectador desde todos los puntos hacia el centro de acción, en este caso, la arena donde tenían lugar las peleas de gallos.

El espacio opaco de este teatro popular se concentra hacia sí mismo sin permitir otras líneas de fuga que no sean las de la escena central. Jota Izquierdo lo ha despojado de su memoria para convertirlo en una especie de set de cine en el cual la luz, esto es, la obra, disuelve a la arquitectura, la inmaterializa, para establecer un único parámetro de percepción sensorial y psicológica. O dicho de otro modo, la obra se fusiona con el espacio y lo absorbe como elemento configurativo.

Ubicados perimetralmente en los dos primeros pisos del recinto, un conjunto de sesenta focos de tecnología LED generan una escala cromática completa, en cuyas variaciones constantes interviene además la composición sonora de cinco notas que da título al proyecto. Luz y sonido articulan así el espacio y se constituyen como única materia en juego. Pero la contundencia de esta arquitectura lumínica y sonora plantea algunas cuestiones que van más allá de la mera experiencia sensorial, y que tienen que ver con el papel del espectador como receptor de una situación que trasciende lo estético para situarse en los límites de una experiencia más cerebral que física.

En la tradición del trabajo de algunos precursores del cine experimental norteamericano de los años setenta, H.E.L.L.O. nos sitúa no solo ante un espacio que hemos de procesar desde parámetros “neuronales”. También tiene como objetivo poner en conflicto el estatus de la obra, su operatividad y eficacia en el espacio, así como nuestra capacidad para amplificar los niveles de lectura y percepción con los que habitualmente nos situamos ante la experiencia artística.


H.E.L.L.O. es un proyecto de Jota Izquierdo

Comisario: Juan de Nieves

Organiza: Consorcio de Museos

La Gallera, Valencia

Hasta el 22 de noviembre de 2009

Camuflajes

La exposición "Camuflajes" se propone rastrear y describir la presencia del camuflaje en la creación artística reciente. El camuflaje es signo recurrente de nuestra cultura visual: se ha convertido en señal distintiva de las tribus urbanas, en soporte fashion de las grandes firmas de prêt-à-porter, en atributo favorito de cantantes de moda, en protagonista de películas que retratan nuestra condición.

Y también en noción clave para articular una reflexión estética, política y antropológica sobre cuestiones relativas a la conformación de la identidad y de la subjetividad, o el reconocimiento del engaño, la vigilancia, el control, el simulacro, el disfraz, la construcción de lo real o la manipulación como signos distintivos de las sociedades contemporáneas. El conjunto de obras y artistas seleccionados para esta exposición permite apreciar la variedad de papeles que desempeña el camuflaje en la creación actual: como idea, como motivo de inspiración, como patrón formal, como estrategia artística, como síntoma social, como método femenino, etc.

La colectiva, comisariada por Maite Méndez y Pedro Pizarro, está compuesta por Angeles Agrela; José Ramón Amondarain; Liu Bolin; Manuel Cerda; Chema Cobo; Monica Duncan and Lara Odell; Lalla Essaydi; Leo Fabrizio; Adonis Flores; Joan Fontcuberta; Laurent La Gamba; Rogelio López Cuenca; Maider López; Carmen Mariscal; Laura Marte; Mateo Maté; Carlos Miranda; Sonia La Mur; Juan Luis Moraza; Yasumasa Morimura; Harvey Opgenorth; Desiree Palmen; Domingo Sánchez Blanco; Francesca Woodman; Gina Zacharias; Eleanor Antin; Emilio Fantin; Alfredo Jaar; Ottonella Mocellin; Ria Pacquée; Cesare Pietroiusti y Cesare Viel.

La Casa Encendida, Espacios D y E

Hasta el 1 de noviembre

Relevos y portazos...

El final de septiembre ha traído un buen número de cambios en distintas instituciones culturales españolas, empezando por el cese por motivos presupuestarios, de artista y gestor cultural Kepa Landa, (Arizcun, Navarra, 1969) como responsable del Arteleku de San Sebastián (Guipúzcoa), dependiente de la Diputación de Guipúzcoa. Por las mismas fechas, la diputación vizcaína nombraba, sin concurso público previo, a la comisaria e historiadora Alicia Fernández (Bilbao, 1962) como nueva directora de la Sala Rekalde, de Bilbao. Fernández, directora artística, desde su creación en 2001, de Getxoarte, sustituirá a Pilar Mur, destituida en abril pasado de su puesto. Ambas actuaciones fueron seriamente criticadas, unos días antes de hacerse oficiales, por una nota del Instituto de Arte Contemporáneo que, al parecer, no consiguió modificar el comportamiento de las instituciones públicas vascas.

En el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) se confirmaba, tras siete meses como director en funciones, a Agustín Pérez Rubio (Valencia, 1972) como nuevo director del museo leonés, del que había sido, desde 2003, conservador jefe con Rafael Doctor como director. La convocatoria pública, que en este caso sí existió y a la que se presentaron ocho candidaturas, fue decidida por un jurado integrado por Emilio Navarro, director del Centro de Arte Contemporáneo de Caja Burgos (CAB); José Guirao, director de la Casa Encendida de Madrid; Beatriz Rub, directora del Kunsthalle Zürich; el comisario Octavio Zaya; y Jaime Morate, coordinador técnico de Proyectos de la Fundación Siglo. El nuevo director pidió, en su primera intervención tras su nombramiento, que "se debería mantener la inversión de 1,5 M de Euros al año, que siempre ha sido el compromiso de la Junta, para los próximos cuatro años".

Por otro lado, Rafael Doctor Roncero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1966), ex responsable del MUSAC y último comisario invitado de la madrileña Noche en Blanco, ha sido fichado para dirigir la Fundación Santander 2016, organismo de gestión de la candidatura de Santander a la capitalidad cultural europea, en la que compite con otras dieciséis ciudades españolas.

Y finalmente, el portugués Miguel Von Haffe Pérez (Oporto, 1967) fue nombrado, también por concurso público al que se presentaron 15 candidatos, nuevo director del Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) de Santiago de Compostela (A Coruña), con el objetivo, al parecer, de conceder más importancia a la parte museística y expositiva que a la de creación y producción propia que el CGAC alentó en los últimos años bajo la dirección de Manuel Olveira. Von Haffe llega a Galicia tras haber pasado por la Fundación Serralves, donde comenzó su carrera profesional, y haber comisariado numerosas exposiciones en España, Portugal y Brasil. El CGAC es un espacio de difusión cultural cuya función es dinamizar el panorama artístico actual y reflexionar acerca de la diversidad de las conformaciones culturales en la sociedad

El sueño roto...

El sueño roto de una ciudad arrogante.

De una ciudad que ha privilegiado al automovil en detrimento del peatón y que ni siquiera se plantea a la bicicleta como un
modo de transporte.

De una ciudad que ha decidido cambiar las aceras de sus calles, pavimentar las principales arterias del centro y hacer grandes obras arquitectónicas sin apenas uso social, a la vez que cierra el grifo a planteamientos alternativos de vida, arquitectura y urbanismo.

Una ciudad debil, que ha amamantado una poderosa oligarquía que ha secuestrado el interés general y nos extorsiona con domingos de fútbol, verbenas y pelotazos.

Una ciudad mezquina que ha visto como el sector servicios se degrada a un límite insoportable, hasta convertirla en una ciudad-fraude.

Una ciudad egoísta que exige mucho a sus ciudadanos y les da muy poco de vuelta.

Una ciudad muy rica, que ha hecho de la cultura oficial e institucional su eje principal, dedicando migajas del presupuesto a la
educación y las artes promovidas por un tejido alternativo que apenas sobrevive.

Una ciudad creida como cosmopolita y que apenas uno rasca su piel, se encuentra con un cuerpo provinciano y uniformizador que da miedo.

Una ciudad políticamente sedada que no responde a los estímulos. El burro instalado en Atocha por Fernández Sanchez Castillo es el mejor ejemplo de ello.

Donde se quedó el derecho a vivir en una ciudad mejor?

Ahora viene el momento de mirarnos a nosotros mismos, de que desaparezca el espejismo en el que muchos han estado instalados durante años y analizar que ciudad queremos.

Tal vez sería bueno que otros muchos viajaran a otras ciudades como Amsterdam, Estocolmo, Montreal, Sacramento, Viena, Munich, Barcelona, etc y vieran como una ciudad amable, sostenible, ecológica, limpia, dinámica culturalmente y cohesionada socialmente es posible en el siglo XXI.

Es esto tan dificil de entender en el sur de Europa?

Escrito por un madrileño del barrio de salamanca de tres generaciones.

Rostros y ventanas

En abril de 2007 las autoridades municipales desalojaron a los vecinos de la finca Haggerston, en Hackney, el popular barrio del este Londres, para demoler el edificio, y colocaron placas de madera atornilladas a las ventanas, que con el tiempo fueron deteriorándose, dejando una impresión de ruina total.

Cuando esto ocurrió, un par de vecinos, Lasse Johansson y Andrea Luka Zimmerman, ayudados por un amigo, Fennell Tristán, se embarcaron en un proyecto fotográfico al que llamaron I Am Here (Estoy aquí): Pidieron fotos o fotografiaron a 67 antiguos vecinos residentes en el inmueble, las ampliaron y las colocaron en las ventanas en sustitución de las ruinosas placas de madera oficiales.

Y al parecer, la iniciativa ha resultado un revulsivo para la comunidad, ya que a partir de la instalación de esta original propuesta de arte público, la propiedad ha comenzado a replantearse la demolición de la finca y ha iniciado la reconstrucción y remodelación de algunos de los pisos abandonados, de modo que actualmente ya pueden volverse a ver, como en sus mejores tiempos, algunas de las antiguas ventanas reformadas y en buen estado.

En un piso de la calle Génova...

Una casa sin habitantes, amplia, versátil, dinámica- , diecisiete artistas multidisciplinares intervienen en cada una de sus
estancias. Todos los rincones de su entorno se transforman y dialogan para cobrar nueva vida. Sin más hilo conductor que las paredes y pasillos del laberinto de quinientos metros cuadrados, cada artista seleccionado en esta iniciativa colectiva trabaja una idea, un proyecto independiente. S/T pretende apropiarse de un espacio cuya memoria interviene en cada uno de los trabajos propuestos, un ámbito privado que se transformará tras nuestro paso en otro proyecto de naturaleza especulativa, como la mayor parte de los múltiples espacios desocupados de nuestra ciudad. Un espacio vacío lleno de vacíos. Hacer esos vacíos nuestros, es el objetivo de esta muestra.

Los nuevos espacios cambian el chip del espacio anterior y se presentan como curiosos contenedores de arte contemporáneo en donde tienen cabida las artes aplicadas, la pintura, la escultura, la instalación, el interiorismo, el videoclip, la obra gráfica y la videocreación.

S/T es un proyecto ideado por la comisaria independiente Cristina Vicario. Si bien parte de la tarea de Vicario ha sido plantear y seleccionar las piezas junto con los artistas, no hay un comisario propiamente dicho. La comisaria ha sido la propia casa que planteaba sus dificultades y limitaciones dando mucho juego para su transformación porque el cuerpo de la exposición son las distintas habitaciones. Este piso de principios del Siglo XIX, con recovecos y cierto aire victoriano, actúa, La mayoría de los artistas tienen menos de 35 años, algunos de ellos trabajan para galerías y muchos han sido premiados y recibido becas de diferentes instituciones. La propuesta de S/T tiene un componente lúdico pero detrás hay rigor, formación y experiencia profesional.

Para participar de S/T ha sido condición ineludible, además, tener ilusión, sentir afecto por el proyecto compartido y una entrega del ciento por ciento. En tiempos en los que las subvenciones y ayudas a la creación son escasos y deben repartirse
entre muchos, las iniciativas independientes, que no dependen directamente de instituciones estatales o privadas, son el recurso para que la creatividad tenga presencia. S/T demuestra que no todo está parado, que se pueden seguir haciendo
cosas cuando la unión hace la fuerza.

Entre las obras: presentación del videoclip del tema “Animales vertebrados”, de Cristina Rosenvinge; un collage sobre el empapelado, hecho de mapas de ciudades del mundo sobre el mapa del metro de Madrid, de Rossell Meseguer; las sutiles esculturas de cerámica de Nuria Blanco; las bestias en cajas de luz de Papín Lucadamo; la divertida propuesta señalética de Ana Lou sobre mosaicos de azulejos de porcelana vidriada; el envolvente mural de Fernando Gutiérrez; las impactantes
fotografías de la serie Candor, de Luis Amavisca; el curioso “fondo de armario” de Lara Elbaz y Rafael Gallego; la naturaleza convertida en piezas orgánicas por Yael Barnatán y Ezequiel de Pablo; una verbena de verano según la ve el colectivo Bruto;
el ser tecno-mitológico que emerge del vídeo de Patricio Martínez, las inquietantes atmósferas lumínicas creadas por Gonzalo Pérez Mata … y más.

Ha sido un trabajo maratoniano pero no había que perder la oportunidad. Todos los artistas se han implicado y han sacado la idea adelante con ganas y entusiasmo. En S/T no hay burocracia sino eficiencia en la labor.

S/T (Sin título)
Exposición colectiva

Artistas multidisciplinares intervienen en una casa deshabitada del siglo XIX.

MAITe CAMACHo/
RoSell MeSeGueR/
GonZAlo PéReZ MATA/
nuRIA BlAnCo/
VIDeo SAlA: DAnIel VeGA/
BRuTo/ elenA RenDeIRo/
STRuenDo/ PATRICIo MARTIneZ/
AnA lou/
lIDIA ToGA/
FeRnAnDo GuTIeRReZ/
PAPIn luCADAMo/
luIS AMAVISCA/
lARA elVAZ & RAFAel GAlleGo/
YAel BARnATAn & eZeQuIel De SAn PABlo/
JuAn PABlo VIllAlPAnDo/

Del 1 al 15 de octubre de 2009
Génova, 7 – 5º izda. Madrid.

Inauguración para prensa, galeristas y gestores culturales: 13h.
Inauguración al público: 20h.

Abierto de 10 a 14h. y de 17 a 20h.
Entrada gratuita.

www.myspace.com/st_sintitulo

El pueblo de los niños rotos

El macrobotellón celebrado el pasado sábado en Pozuelo de Alarcón que dio origen a una batalla campal y concluyó con un enfrentamiento entre un grupo de 200 jóvenes y la policía ha sido la noticia nacional de estos días.

Desde numerosos medios y plataformas de comunicación, los periodistas "habituales" y los tertulianos "especializados" se preguntan que está pasando con los jóvenes. Hemos sufrido un rosario de pseudo-análisis por parte de periodistas de gama amarillo a naranja a los que mueve la ignorancia y el miedo a cambiar las cosas de verdad, buscando soluciones desde la raiz.

Tampoco hemos podido escuchar una reflexión, normalmente sosegada y de cierto calado, por parte de los sociólogos, esos profesionales imprescindibles para entender la realidad del siglo XXI. En el sector empresarial y sistema educativo anglosajón casi nada se decide sin su consejo u opinión. Son profesionales especializados hiper cualificados en temas de desarrollo educativo y social. Aquí, para muchos, la sociología sigue siendo una carrera "maría" para futuros funcionarios sin estímulo a aparcar en el INE o el CIS.

La reacción política hacia estos hechos de Pozuelo es para echarse a llorar. Desde el alcalde del municipio que se sale de la curva diciendo que han sido alborotadores de fuera, pasando por la concejala de Cultura y Festejos, África Sánchez (alguien que tendría que haber dimitido ya) que sin cortarse un pelo dice que no hay una ordenanza concreta que regule las fiestas. La presidenta regional pide una investigación y más policia en la calle y la delegada del gobierno una reunión para plantear alternativas de ocio para los jóvenes!!

En medio del barullo, Juan Ramón Lucas (RNE) desaprovecha su momento de oro al tener a primera hora en su programa de radio al alcalde de Pozuelo y tras pelotearle sin rubor por la gran labor cultural del municipio!! le ofrece su espacio para que el regidor se cubra de gloria y se quede tan ancho. Eso no es radio pública modelo BBC.

Es importante decir que Pozuelo de Alarcón es un ejemplo escandaloso de mala gestión pública de los fondos dedicados a cultura y un paradigma de pueblo rico en el que las artes no tienen apenas visibilidad.

Que sólo en un barrio de Madrid como el de Lavapiés se haya generado más tejido cultural que en Pozuelo, territorios con una diferencia de renta per cápita que supera en porcentaje a la que hay entre España y Marruecos, y que estas diversas iniciativas artísticas hayan florecido en los últimos años sin apenas ayuda pública ( la privada no sabe, no contesta) debería llevar a una reflexión a esos políticos, periodistas, padres y madres tan ocupados que se hacen muchas preguntas estos días.

Seguro que hacer un viaje en solitario a donde sea, enrolarse como cooperante en un proyecto de ayuda al desarrollo en un país dificil, ir a algunos centros de arte y abrir un poco la mente, hacer un sencillo pic-nic en un bosque, subir a una montaña, viajar en transporte público etc, son alternativas mejores a la experiencia que prometen las marcas de automóviles BMW o Audi, al éxtasis que supuestamente se produce en la visita a los centros comerciales o a la pedagogía televisiva nacional que asegura la formación de nuestras jóvenes generaciones.

Al final va a resultar que en las artes, en la educación con valores ciudadanos, en las opciones de vida no encorsetadas socialmente, en definitiva en la verdadera libertad, va a estar la respuesta a muchas de estas preguntas.


Unos datos sobre Pozuelo de Alarcón:

- Población. 82.984 habitantes. El 19,88% son menores de 16 años.

- Afiliados a la Seguridad Social: 706,08 por cada 1.000 habitantes (frente a 493,71 de la Comunidad).

- Paro en menores de 25 años: 6,17% (11,2% regional).

- PIB 'per cápita': 39.721 euros (30.094 de media regional).

- Alumnos en centros privados: 82,22% (46,46% de media en la Comunidad).

En la frontera de...

Seppo Renvall, que en la próxima Bienal de Venecia presentará la sauna más grande del mundo, construirá un prototipo hecha con material reciclado para el Festival Surpas que tendrá lugar en Portbou (Girona) del 3 al 5 de septiembre. En la sauna tendrá lugar una actuación sorpresa.

Con esta nueva actividad, y los 60 artistas que participan en la edición de este año, el Festival Surpas se presenta como una buena ocasión para ver buenos exponentes de la cultura libre y popular en un entorno tan especial como el de Portbou, en la frontera franco-catalana.

Una de las características del Surpas es que incluye actividades que se desarrollan durante el festival a modo de “work in progress”. Así, se podrá ver el trabajo de diferentes streetartistas, como Raquel Sacristan, Ilia Mayer o Andrea Michaelsson, un cortometraje colectivo hecho con los participantes en los talleres de creación y edición audiovisual, la construcción de la sauna por parte de Seppo Renvall, una jam-session en una de las proyecciones de cine mudo al aire libre con música en directo o un taller de animación para los más pequeños impartido por Marcel Pie.

En este festival interdisciplinar también se podrán ver diferentes actividades: música transnacional, cine mudo al aire libre con música en directo, una sesión de videoarte, una exposición de arte contemporáneo, audiovisuales para los más pequeños, música electrónica con programa libre, sesiones especiales de DJ y VJ y una sesión de documentales alrededor del tema de la memoria histórica.

Con los documentales Ich bin Enric Marco, En la encrucijada y A l’ombra d’una bandera, el Festival Surpas quiere establecer un debate alrededor de la memoria histórica, inspirándose en la figura de Walter Benjamin, que murió en Portbou mientras escapaba de las SS nazis, y desarrollando un punto de vista crítico sobre ciertos aspectos históricos a partir de sus testimonios.

www.festivalsurpas.org

Sociedad avanzada

Canadá quiere saber qué opinan sus ciudadanos sobre el 'copyright'. El gobierno pone en marcha una iniciativa en Internet para recopilar ideas sobre cómo legislar en la materia. El último proyecto de ley de reforma del copyright canadiense fue controvertido. Elaborado en secreto, proponía una serie de medidas que modernizaban una ley con más de 10 años. En cuanto salió a la luz fue públicamente vapuleado; ahora el gobierno del país americano no quiere cometer el mismo error y ha puesto en marcha una serie de propuestas para que sea el público el encargado de dar ideas.

El proyecto de ley C-61, presentado el pasado año, fue más discutido de lo esperado. A pesar de establecer multas menores para los internautas que descargasen contenido protegido, comparada con la ley estadounidense, o permitir copias de seguridad (aunque sólo de libros, periódicos, videocasetes y fotografías), contemplaba una serie de derechos para los poseedores del copyright que causaron varias protestas de grupos de consumidores canadienses y de una parte importante de la sociedad.

En concreto el proyecto apoyaba medidas como el DRM (gestión de derechos digitales, en español), una tecnología que controla el acceso a contenido digital y que ha tenido una gran cantidad de detractores (el mismo Steve Jobs, de Apple, llegó a decir que la medida no favorecía la venta de música online).

Ahora el Gobierno canadiense ha decidido poner en marcha una iniciativa ("Consulta de copyright") que permitirá a cualquier ciudadano u organización canadiense expresar su punto de vista sobre el tema. El gobierno asegura en la web del proyecto que "escuchará las distintas opiniones y con ellas en mente presentará un nuevo proyecto de ley".

En el sitio los usuarios pueden encontrar todo tipo de enlaces con información sobre leyes anteriores, acceso a foros de discusión virtuales o elementos multimedia explicando los conceptos básicos a tener en cuenta. Desde la web se puede enviar un cuestionario que responda a las preguntas que hace el Gobierno a sus ciudadanos: ¿cómo crees que deberían modificarse las leyes de copyright, de modo que estos cambios lleven a una mayor competitividad, innovación y creatividad en el país?

La ley que regula la propiedad intelectual en España data de 1987 y fue reformada por última vez en 2006. Una de las medidas más controvertidas ha sido el establecimiento del canon digital, por el cual se grava a los fabricantes de soportes electrónicos con el objetivo de cubrir las ingentes perdidas de ingresos que la industria cultural y de contenidos sufre por las descargas ilegales de usuarios de internet y la piratería de mafias organizadas.

http://copyright.econsultation.ca

Testigo recogido

Ángeles Albert de León ha sido nombrada hoy viernes por el Consejo de Ministros como nueva directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, a propuesta de la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde.

Nacida en Madrid en 1962, Ángeles Albert es Licenciada en Geografía e Historia, especialidad de Prehistoria y Arqueología, y funcionaria del Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos del Ministerio de Cultura. Actualmente se encontraba en servicio activo en la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación.

A lo largo de su trayectoria profesional ha sido directora del Centro Cultural de España en México desde su creación y ha formado parte del Gabinete Técnico de la Subdirección General de Museos Estatales del Ministerio de Cultura, desde donde ha participado en diversos proyectos museográficos para instituciones como el Museo Nacional de Altamira, el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí o el Museo Arqueológico Nacional, entre otros.

En la actualidad estaba destinada en la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, para la que ha ocupado el cargo de Subdirectora General Adjunta de Cooperación Cultural y Promoción Cultural Exterior y, más recientemente, el de Jefe de la Unidad de la Red de Centros Culturales en el Exterior.

Albert se convierte de esta manera en la primera mujer desde la creación del Ministerio de Cultura en 1977 en ocupar la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura, donde llega para sustituir a José Jiménez que días pasados presentó su dimisión a la ministra de Cultura.

El arte de la calle

La Fundación Cartier de París expone hasta el próximo 29 de noviembre el proyecto Nacido en las calles: Graffiti, una muestra que ocupa la fachada y todo el espacio interior de la galería, además del jardín que rodea el edificio.

Esta exposición pone de manifiesto el extraordinario desarrollo de un movimiento artístico que nació en las calles de Nueva York a principios de la década de los setenta, en un momento de inestabilidad política recesión económica, para convertirse en un fenómeno que se extendió rápidamente por todo el mundo.

El graffiti es ya reconocido por muchos de nosotros como una expresión artística mayor y legítima en cuanto a su práctica. Lo curioso es que tenga que ser la Fundación Cartier la institución que "coloque" este tipo de arte como aceptable y legal, cuando para otros muchos (por ejemplo, la mayoría de ayuntamientos de España) sigue siendo una cuestión entre marginal, amateur o inconsistente.

En fín, que el glamour de la Cartier, seguro que vence la resistencia de algunos. Y, por favor, no confundir, el arte del grafitti con las firmas cutres con rotuladores y las rayaduras en cristales que un enjambre de descerebrados realizan en fachadas de edificios o en el mobiliario urbano.

Precisamente por todo esto, el objetivo de esta exposición es dar a conocer las bases del graffiti, un tema extremadamente amplio y complejo, una forma de expresión que ha llegado a abarcar diferentes técnicas, ideas y estilos. Partiendo de los orígenes del movimiento, el proyecto de la Fundación Cartier ofrece un panorama general con obras de algunos de los mejores autores de esta especialidad, como Basco Vazco, Cripta, JonOne, Barry McGee, Nug, Evan Roth, Olivier Kosta-Théfaine o P.H.A.S.E.2 y, además, incluye un apartado dedicado a la diversidad de la escritura contemporánea para redescubrir el graffiti como arte y como una expresión en continua evolución.

http://fondation.cartier.com

Relevo en cultura

José Jiménez, director general de Bellas Artes del Ministerio de Cultura se marcha. No nos pilla de sorpresa, pero nos deja muy preocupados. En estos dos años su departamento ha impulsado notables medidas de apoyo al sector del arte contemporáneo y ha realizado una importante profilaxis, implantando el código de buenas prácticas y promoviendo su aplicación en la gestión de proyectos culturales.

Este viernes, mañana, sabremos quien es su sucesor y de que color es el testigo que elije para dirigir el departamento. Ese día el Consejo de Ministros tiene previsto relevarle como director general de Bellas Artes, una vez que ha presentado la dimisión del cargo a la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde. Profesor de Filosofía y catedrático de Estética, Jiménez ya había mostrado su deseo de abandonar la dirección general de Bellas Artes para reincorporarse a su actividad docente, a pesar de haber sido confirmado en el cargo por la ministra tras la remodelación del Ejecutivo en abril de 2009.

Vinculado al anterior ministro de Cultura, César Antonio Molina, Jiménez fue nombrado director general de Bellas Artes y Bienes Culturales en el Consejo de Ministros celebrado el 13 de julio del 2007. En aquel momento era director del Instituto Cervantes de París. Ya en su toma de posesión, el director general anunció su deseo de mantener el compromiso con el mundo del arte aplicando el código de Buenas Prácticas en museos y centros de arte contemporáneo, incluso generalizándolo. Esto respondía a su objetivo de mejorar en lo posible la gestión de los centros de arte y de los museos y cuidar un patrimonio histórico artístico de gran riqueza.

José Jiménez presidió el comité de expertos que seleccionó a Manuel Borja-Villel para sustituir a Ana Martínez de Aguilar al frente del Museo Reina Sofía, tras la convocatoria de un concurso internacional de candidatos. Otro de sus trabajos ha sido la elaboración de la Ley del Patrimonio Cultural de España, pendiente de su aprobación, así como la remodelación del Museo Arqueológico Nacional.

Artistas galegos...internacionales

Os adjuntamos el fallo del jurado de las becas promovidas por el MACUF Museo de Arte Contemporáneo UNION FENOSA.

Una alegría por este apoyo institucional a artistas emergentes y una oportunidad para creadores con talento que pueden disfrutar en el extranjero de recursos, redes de apoyo, contactos y visibilidad exterior.

Reunido en A Coruña el Jurado de las Becas de Creación Artística en el Extranjero Unión Fenosa 2009, integrado por Antón Castro Fernández, en calidad de presidente, por Alberto Ruíz de Samaniego como vocal, e Iñaki Martínez Antelo, que actúa como secretario, acuerda por unanimidad

Otorgar las Becas a las que se refiere la presente convocatoria a los proyectos presentados por los creadores siguientes por orden alfabético:

NANO4814,para el desarrollo de su proyecto de investigación, desplazamiento y estancia en NUEVA YORK Y MÉXICO D.F.

FÉLIX FERNÁNDEZ, para el desarrollo de su proyecto de investigación, desplazamiento y estancia en BALTIMORE CITY – NUEVA YORK - BERLÍN.

DAVID FERRANDO GIRAUT, para el desarrollo de su proyecto de investigación, desplazamiento y estancia en LONDRES.

Suplentes mencionados por orden:

1º VICTORIA DIEHL LÓPEZ
2º ANTÓN CABALEIRO
3º RITA RODRÍGUEZ

El Jurado valora la amplia concurrencia de los candidatos y el alto nivel de calidad de todos los trabajos presentados.


Desde aquí, enhorabuena a todos!!

www.macuf.com