Profesionalización YA!

Ciclo de tres conferencias y un taller, organizado por AVVAC (Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló), a celebrar los días 11, en el Col·legi Major rector Peset y 18, 16 y 27 en el Octubre Centre de Cultura Contemporània de Valencia.


1_Contratación, remuneración y derechos morales en las artes visuales. El estatuto del artista

Conferencia / 11-11-2010 / 19.00 h. / Col·legi Major Rector Peset.

Florenci Guntin; secretario general de la Associació d’Artistes Visuals de Catalunya y delegado de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales para el Estatuto del Artista.

Alexandre Devís Mainz; abogado de AVVAC y miembro del despacho Partners Estudio Jurídico.

Presenta: Nacho Paris.

Se abordarán en esta conferencia algunos de los aspectos fundamentales que desde AVVAC se defienden en el camino hacia la profesionalización de los artistas visuales: el respeto a los derechos morales del autor, la remuneración por el trabajo realizado, la normalización del contrato por escrito y el estatuto laboral y fiscal del artista. Florenci Guntin hablará de las buenas prácticas profesionales en las artes visuales; de la realidad social fiscal y laboral del artista en España en comparación con otros modelos, así como de la propuesta de “El estatuto del artista”. Alexandre Devis Mainz hablará desde una perspectiva legal sobre Los contratos en la práctica profesional del artista visual repasando los elementos básicos que todo buen contrato debe contemplar, con especial detenimiento en aquellos tipos que con mayor frecuencia se va encontrar el artista en su práctica profesional, así como las cuestiones que pueden resultar más relevantes tales como los derechos de autor, la protección y conservación de las obras o las relaciones con los centro de difusión de arte.


2_Licencias libres y artes visuales, el devenir de la cultura libre

Conferencia / 18-11-2010 / 19.00 h. / Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Natxo Rodríguez; Artista y profesor en la Facultad de BBAA de la Universidad del País Vasco EHU/UPV.

José Maldonado; Artista transmedia y profesor en la Facultad de BBAA de la Universidad Miguel Hernández de Elche. Diseñador y director de sitio on-line e-limbo.org.

Presenta: Teresa Marín.

Con la irrupción de las últimas nuevas tecnologías en el ámbito de la cultura, los modos conocidos de producción, distribución y acceso a la producción cultural contemporánea han cambiado radicalmente. Antes esta nueva situación y el cambio de paradigmas que conlleva, el autor-productor ha de tomar decisiones que afectan a su trabajo y a todo el sistema del arte, porque si no serán otros los que las tomen. En este nuevo contexto, Copyleft supone una herramienta conceptual y práctica que aporta beneficios al menos en tres direcciones: 1. Más libertad para el autor 2. Más libertad para el usuario y 3. Enriquecimiento del procomún.

Creative Commons (bienes comunes creativos) se desarrolló como una herramienta que ayudase a reducir las constantes barreras legales que se imponen a todas las vías y formas de conocer y de conocimiento. CC es, entre otras muchas plataformas y opciones colectivas o personales, un entorno a través del que garantizar cierto flujo de libertad para el conocimiento humano y el bien común. Una característica importante y esencial del conocimiento humano es la resiliencia. Ha garantizado la evolución del ser más allá de todo contra_tiempo y anti_espacio.


3_Encuentros con VEGAP

Conferencia / 26-11-2010 / 19.00 h. / Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Paula Jiménez de Parga; Directora Centro VEGAP Catalunya.

José Vicente Quirante; Director de la Fundación Arte y Derecho.

Presenta: Juan José Martín.

De acuerdo al convenio de colaboración establecido entre la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV) y la Fundación Arte y Derecho, y dentro del programa “Encuentros con VEGAP”, AAVAC organiza, una conferencia dedicada a la difusión de la entidad de gestión de derechos derecho de autor, “Visual Asociación de Artistas Plásticos” (VEGAP), que desde 1990 viene trabajando en la protección de los derechos de los autores de obras de la creación visual.


4_Taller de producción artística contemporánea

Taller teórico-práctico / 27-11-2010 / 10-14 y 16-20 h. / Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Carme Romero; Trabaja en Hangar (www.hangar.org) desde el 2000, donde ha producido y coordinado decenas de proyectos de artistas nacionales e internacionales. Su perfil, a medio camino entre la gestión cultural y la especialización técnica (arte electrónico, proyectos en Internet, videojuegos…), le permite implicarse en diferentes fases del desarrollo y mediar entre éstas y entre los equipos de personas involucrados en cada una

El taller hará un recorrido por diferentes herramientas y metodologías para la producción de proyectos artísticos a partir de casos de estudio y desde la experiencia de un centro especializado como Hangar. Se dedicará especial atención a la problemática de la gestión económica de un proyecto y a su planificación.

Asistencia al taller, previa inscripción vía email, info@avvac.net, hasta el día 23 de noviembre.

Estas jornadas están financiadas por: Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP.

Las conferencias se emitirán en streaming en la web de avvac: http://www.avvac.net

Archivo digital intransit

intransit es una plataforma creada por la Universidad Complutense de Madrid y coordinada por Pensart que apuesta por establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes culturales que operan en cada sector. La plataforma se conforma como una convocatoria pública, un laboratorio de creación, unas jornadas de presentación de proyectos, un archivo digital en la red, un archivo físico instalado en el Centro de Arte Complutense y un conjunto de actividades participativas desarrolladas a lo largo del curso académico.

La Universidad Complutense de Madrid promueve intransit como un medio eficaz para realizar didáctica sobre la importancia del esfuerzo personal, el rigor en la práctica y la excelencia en el desarrollo de los procesos de investigación y creación. Con el objetivo de dar continuidad al proceso de formación y permitir la inserción de los creadores en las redes nacionales e internacionales de producción cultural, se ha creado el archivo digital que contiene los proyectos de los 20 artistas seleccionados en la convocatoria de 2010. Esta herramienta permite a cualquier profesional acceder de forma rápida y sencilla a la base de datos que contiene información detallada de cada creador.

Actividades:

Presentación plataforma intransit. Manuel Álvarez Junco. Vicerrector de Cultura y Deporte de la UCM.

Universidad y Excelencia. Josu Larrañaga. Decano Facultad de Bellas Artes de la UCM.

Presentación archivo digital. Objetivos y metodología. Pensart.

Feedback artistas participantes en intransit 2010 en conversación con los miembros del Comité de Selección, Alexis Callado, Virginia Torrente y Marlon de Azambuja.

Presentación de archivos y bases de datos en Madrid:

Archivo de Creadores Matadero Madrid. Manuela Villa.
Archivo SEACEX Sociedad Estatal para la Cooperación Exterior. Marta Rincón.
Base de datos AVAM Artistas Visuales Asociados de Madrid. Julieta de Haro y Raquel Cámara.

Nodos UCM:

Nodo Londres. Cristina Garrido. Wimbledon College of Art, University of the Arts London. Reino Unido.
Nodo Chicago. Marco Godoy. School of the Art Institute of Chicago. EE.UU.
Nodo Helsinki. GILFER. Producción cultural pública en Finlandia. HIAP Helsinki International Arts Program. Finlandia.

Presentación archivo digital intransit
Martes 2 de noviembre. De 18 a 21 h.
Espacio CAMON Madrid
Plaza de Moncloa, 1 (entrada por C/ Princesa) Metro: Moncloa [L3] [L6]


+ información en: www.intransit.es

Buenas prácticas en Andalucía

El pasado 20 de octubre de 2010 se ha celebrado en Casa Mazal (Córdoba), la reunión de artistas y profesionales del arte por un código de buenas prácticas en Andalucía. Asistentes: Jacinto Lara, Juanjo Caro, Josefo Rodríguez, Manolo Garcés, Victor Bermúdez, Jesús Alcaide, Fernando Sendra, Fernando M. Romero, Angel Luis Pérez Villén, Miguel Gómez Losada, Tete Álvarez, Óscar Fernández, Javier Orcaray Vélez y Sergio Muñoz Rosal.

Se aboga por el uso de material ya existente como otros Códigos de Buenas Prácticas ya redactados por asociaciones de artistas de otras comunidades (Madrid, por ejemplo) y, en definitiva por establecer una retroalimentación complementaria entre el material e iniciativas que se desarrollen en Córdoba y las que se lleven a cabo a nivel andaluz, siendo esta una relación orgánica y natural con objetivos comunes.

Del mismo modo, el texto sobre el estado del arte contemporáneo en Andalucía redactado en Ars et Labora, se contempla como marco general sobre el que elaborar propuestas más concretas (enlace abajo).

Se plantea como objetivo principal el erigirnos en interlocutores en TODAS las iniciativas culturales y artísticas que se estén llevando a cabo y se vayan a llevar a cabo en el ámbito de Córdoba y provincia (2016, C4, becas y convocatorias, infraestructuras, etc.)

Se muestra preferencia por enfocarse en cuestiones en las que se puede influir (por ejemplo, el C4), y no en polémicas que ya no (eliminación del Programa Iniciarte, por ejemplo). Aunque también se plantea compatibilizar un trabajo más constructivo sobre cuestiones futuras con protestas y posicionamientos firmes sobre hechos recientes, aunque no tengan un efecto práctico más allá de la presión y la manifestación del malestar como colectivo ante los medios y las administraciones responsables.

Hay un consenso general en que todas las iniciativas deben ir orientadas a exigir y lograr el mayor grado de profesionalización del ámbito artístico en todos sus canales y estamentos.

Se plantea para ello adoptar alguno de los “Códigos de buenas prácticas” ya existentes o bien partir de alguno de ellos para adaptarlo a las circunstancias y particularidades de Córdoba y el momento actual.

En este punto surge el tema más polémico de la reunión al plantearse la cuestión de los honorarios de artista por el préstamo de obras para su exhibición. Algunos asistentes defienden el incluirlo como un punto irrenunciable en el “código de buenas prácticas” y otros asistentes discuten la “universalidad” de dichos honorarios y abogan porque cada caso debe ser estudiado individualmente, así como plantear límites claros y márgenes de decisión individual. La cuestión queda abierta a la espera de estudiar como otras asociaciones se han posicionado respecto al tema en sus respectivos códigos y de un debate más en profundidad. Hay prácticamente unanimidad en cuanto a incluir referencias sobre el “valor” del trabajo del artista, sin embargo es en la concreción y reglamentación del mismo donde surgen las discrepancias.

En este punto se plantea la posibilidad de no coincidir plenamente todos los que pertenezcan a la “plataforma” en todas las iniciativas que ésta lleve a cabo o apoye. En dicho caso se regiría por principios democráticos de mayoría o bien se plantea también la posibilidad de firmar determinados escritos no como plataforma sino de forma individual con nombre, apellidos y DNI siempre que tengan un respaldo lo suficientemente numeroso.

http://arsetlabora.blogspot.com/

Pensando y haciendo Medialab-Prado

Sesiones de trabajo para analizar el estado actual del medialab y debatir sus posibles vías de continuidad, en relación a su futura ubicación en la antigua Serrería Belga. Esta actividad se escructura en torno a cuatro sesiones de trabajo que tendrán lugar a lo largo de 2010, en las que participan como invitados Miguel Álvarez-Fernández, Nerea Calvillo, Jordi Claramonte, Juan Freire, Jesús González Barahona, Antonio Lafuente, Juan Martín Prada, Carolina del Olmo, José Luis de Vicente, y miembros del grupo de los Viernes OpenLab. Paralelamente al programa de sesiones presenciales, se ha iniciado un proceso de recogida de información por parte de colaboradores y usuarios habituales acerca de lo que es y lo que podría ser el medialab en el futuro.

Tras casi tres años de recorrido en su sede actual de la Plaza de las Letras, Medialab-Prado se enfrenta ahora al traslado a una nueva sede, el edificio contiguo de la antigua Serrería Belga. Este cambio supone un reto importante, pues trae consigo unas condiciones diferentes a las presentes en cuanto a escala y contexto.

Parece por tanto un buen momento para abrir un espacio de reflexión y análisis sobre sus prácticas y modos de hacer, su contexto, públicos y usuarios, que nos ayude a proyectar el futuro a través de un proceso dialogado que recoja múltiples aportaciones y puntos de vista; un proceso inclusivo en el que tomen parte personas que han contribuido de manera esencial a configurar el proyecto, entre los que se encuentran colaboradores habituales y usuarios. Y que a su vez incorpore una mirada desde fuera y esté abierto a la participación de cualquier persona interesada en aportar ideas o en escuchar los debates.

Fecha de la próxima sesión: 16 diciembre, 2010

http://medialab-prado.es/

Mal rollo

La Asociación Española de Directores de Museos y Centros de Arte Contemporáneo de España, el Consejo de Críticos de Artes Visuales, el Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo, el Instituto de Arte Contemporáneo y la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales, quieren manifestar su repulsa y extrema inquietud ante la más que posible desaparición del Centro José Guerrero de Granada y de su colección, así como ante el cese arbitrario de su directora.

No parece razonable que una institución artística consolidada, que ha desarrollado un programa de altísima calidad, con continuidad, rigor y gran eficacia a lo largo de sus diez años de existencia pueda estar en riesgo. Tampoco parece razonable que, en la actual situación de crisis económica que vivimos, la administración pública no haga todo lo posible por conservar lo que constituye una parte muy importante de nuestro patrimonio artístico, como es la colección de uno de los pintores españoles de mayor proyección internacional de la segunda mitad del siglo XX español.

Queremos expresar, una vez más, nuestra preocupación por la fragilidad de las instituciones artísticas en España, a las que ya ni siquiera les sirve ser reconocidas y respetadas por la inmensa mayoría del sector del arte contemporáneo español, así como reivindicar la necesidad de articular y dar seguridad a las relaciones entre el sector privado y el público en la misión de incrementar, preservar, estudiar y difundir el patrimonio artístico contemporáneo, área en la que el Estado español en general es altamente deficitario. No podemos permitir este continuo empobrecimiento de nuestra vida cultural con la desaparición de colecciones artísticas de primer orden y de centros estables y consolidados. Por todo ello, las asociaciones abajo firmantes consideran que las diferentes administraciones implicadas en la tutela del patrimonio artístico de nuestro país (granadinas, andaluzas y estatales) deberían abrir negociaciones con los herederos de José Guerrero que conduzcan a la creación definitiva de una fundación que permita un futuro viable para el centro y que esté regida por el Documento de Buenas Prácticas, de manera que se garantice su estabilidad y autonomía e impida que la obra de José Guerrero abandone definitivamente la ciudad de Granada.

Igualmente, queremos denunciar que el cese de Yolanda Romero como directora del Centro José Guerrero se ha producido de una manera políticamente incomprensible. De una parte, los máximos responsables de la Diputación de Granada han reconocido públicamente estar muy satisfechos con el trabajo realizado por la directora, para posteriormente cesarla sin motivo alguno. Este proceder no hace sino reflejar que esta decisión política es arbitraria y responde a criterios de dudosa índole. En definitiva, se trata de un cese que actúa por completo en contra de los criterios de valoración de la gestión profesional establecidos por el Documento de Buenas Prácticas.

Además, el cese se ha producido en el momento más inoportuno, justo cuando se estaban llevando a cabo las negociaciones entre la Diputación y los herederos de José Guerrero para la creación de una fundación (regida por el mencionado documento en todos sus aspectos, incluido el concurso para la plaza de dirección) que garantizase la continuidad del museo y de los fondos pictóricos depositados por la familia en Granada.

Las asociaciones abajo firmantes ponemos de manifiesto nuestra inquietud por la situación en la que ha quedado actualmente el Centro José Guerrero: sin un director que vele por el correcto funcionamiento del museo, sin visos de que vaya a cubrirse el puesto de acuerdo con el Documento de Buenas Prácticas en un tiempo razonable y sin garantías de que se vaya a cumplir con la programación comprometida.

La situación es incomprensible, el daño, irreparable y las decisiones, políticamente contradictorias. Es en el nivel de la política, por tanto, donde se deben resolver los malos entendidos que se hayan producido hasta ahora, sin buscar subterfugios ni chivos expiatorios. Todas las decisiones tomadas en relación con este asunto deben revocarse, restituyendo en la dirección del Centro José Guerrero a Yolanda Romero hasta la constitución de una fundación.

Asociación Española de Directores de Museos y Centros de Arte Contemporáneo de España

Consejo de Críticos de Artes Visuales

Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo

Instituto de Arte Contemporáneo

Unión de Asociaciones de Artistas Visuales

Democracia cultural y transformación social

Interacció 2010 se plantea afianzar en la próxima edición, su carácter de referente en el mundo de las políticas y la gestión cultural a través de una cuestión que está generando un vivo debate en el mundo cultural: la participación activa de la ciudadanía en la creación y la difusión de la cultura. Este concepto se refiere a la cultura que se crea socialmente en entornos comunitarios o asociativos que no aspira, de entrada, a la profesionalización. El sentido del ámbito cultural participativo es, por tanto, muy amplio, pero en cualquier caso presenta como característica fundamental el hecho de que los ciudadanos son sus protagonistas y que conforman la cultura desde el interior mismo de las relaciones sociales. Por otro lado, no es necesario insistir aquí en los lazos profundos que unen esta cultura participada o participativa con los fenómenos amateurs, los cuales abarcan el ejercicio de un amplio abanico de actividades artísticas como el teatro o la música, otras que a partir de nuevas herramientas tecnológicas configuran la mayoría de las propuestas emergentes o bien la propia cultura popular y tradicional.

Es necesario propiciar en la actualidad una reflexión sobre el papel de la cultura en los barrios y municipios. Ha llegado la hora de apostar por una cultura más imbricada en el tejido social de nuestras poblaciones, que haga protagonistas a los ciudadanos y a sus asociaciones y que permita, al mismo tiempo, que las ideas y los proyectos encuentren una concreción en el territorio que los ha visto nacer. Éste es el sentido de la democracia cultural. Un sentido que está relacionado de manera directa con la cohesión social, el fortalecimiento de las asociaciones, con la gobernanza y con la valoración de los ciudadanos para con sus municipios.

Cataluña cuenta con una rica tradición asociativa, que arranca del siglo XIX, la cual se traduce en los ateneos, los Cors de Clavé, las asociaciones obreras y, posteriormente, las agrupaciones, clubs, casas regionales y organizaciones solidarias. Las entidades son una base muy importante para la cultura popular junto con las nuevas formas de trabajo a través de proyectos culturales y cívicos y las asociaciones no formales. En cualquier proyecto de cultura participativa siempre hay una serie de relaciones sociales que pueden traducirse en la formación de una asociación o bien agruparse por intereses concretos. Ese concepto también liga con el de las artes vinculadas a la democracia cultural, un ámbito que hay que replantearse de manera crítica para ver si se adecua en todos los casos a los criterios artísticos y, también, a los de impacto real en la sociedad. El cualquier caso, la democracia cultural tiene que hacer aflorar la creación emergente en nuestros municipios. Y no está de más recordar que esta creación emergente será la que en un futuro no muy lejano definirá el arte de nuestro país. Si a todo ello le añadimos una voluntad de transformación social, de dinamización y de suma de voluntades, no resulta demasiado atrevido afirmar que la cultura y la creatividad pueden situarse en el centro del nuevo paradigma, no únicamente social sino también económico.

Interacció 2010 se organiza en torno a tres ejes temáticos que se desarrollan a través de sesiones plenarias y sesiones simultáneas. A las sesiones plenarias asisten todos los inscritos, mientras que para las sesiones simultáneas será necesario inscribirse en uno de los ámbitos en que se dividen. Las sesiones simultáneas pueden tener un carácter práctico (presentación de experiencias) o teórico, o bien fomentar el debate entre los participantes.

Fecha: 19 de octubre de 2010 hasta 22 de octubre de 2010
Lugar: Centre d'Estudis i Recursos Culturals Pati Manning. Montalegre, 7. Barcelona

http://www.diba.cat/cjs/jornada.asp?id=1180

e-ciudades

Las e-ciudades son plataformas que plantean y cuestionan la capacidad de autorregulación de la sociedad en contextos de discusión y crí tica cuando se desactivan los mecanismos de control social y las regulaciones impuestas por los medios tradicionales. Se trata de herramientas de uso colectivo y de implantación local que pretenden influir en determinados contextos a través de la fuerza que crean la complicidad colectiva de personas o colectivos, que se hallan dispersas, pero que tienen la capacidad de operar, especular, o desarrollar un nivel de conocimiento colectivo.

e-madrid se ha planteado desde su puesta en marcha como una plataforma abierta no sólo al debate, sino también a la inclusión de contenidos. Nació, y continúa siendo, un espacio desregulado, con vocación de que la comunidad de usuarios se apropie de él: e-madrid no pertenece a ningún colectivo en particular. Dos sesiones de taller bajo el título Medios hiperlocales en tiempos de twitter cruzaran el modelo de medio de comunicación hiperlocal y el modelo e-madrid, con vocación de terminar el proceso de cesión de la plataforma a la ciudadanía interesada.

Programa

Miércoles, 6 octubre: 17:00h a 20:00h: Presentación de las diferentes e-ciudades. Debate sobre el modelo de e-ciudad, los modelos de e-ciudad.

+ e-valencia
+ e-norte
+ e-sevilla
+ e-barcelona
+ e-madrid
+ e-ciudadreal

Jueves, 7 octubre: 11:00h a 14:00h: Medios hiperlocales en tiempos de twitter (I)

Taller sin inscripción previa sobre medios hiperlocales, periodismo ciudadano y periodismo cultural en Madrid. Se intercambiarán modelos de funcionamiento técnico y organización de este tipo de medios, criterios de edición y selección de noticias, escala y alcance de la información. [+info]

16:00h a 20:00h: ¿A dónde vas, Madrid? Debate sobre política cultural en Madrid.

Mesa 1. Instituciones culturales municipales.
Mesa 2. Eventos culturales con entidad propia.
Mesa 3. Formaciones independientes y privadas.

Con intervención de representantes de instituciones culturales que hablarán sobre la institución a la que pertenecen desde tres acercamientos: presupuesto, organización (funcionamiento interno, objetivos...), y trabajo en red (relación con las instituciones).

Viernes, 8 octubre:

10:00h a 14:00h: Medios hiperlocales en tiempos de twitter (II)

Taller sobre cómo montar una e-ciudad, cómo funciona técnicamente e-madrid y cómo formar parte de la comunidad e-madrileña.

http://medialab-prado.es/article/eciudades

Una Bienal de referencia

Manifesta 8 es un evento de arte contemporáneo itinerante que muestra la obra más innovadora de artistas y comisarios de Europa y otros lugares del mundo. Abierta al público desde el 9 de octubre de 2010 y con una duración de 100 días, Manifesta 8 se celebrará en edificios históricos, museos y espacios no convencionales de las antiguas ciudades de Murcia y Cartagena.

Desde su primera edición hace 15 años, Manifesta se ha centrado en la idea de romper barreras, cruzar fronteras y construir puentes. Al incorporar exposiciones, performances, eventos multimedia e intervenciones en medios de comunicación, Manifesta 8 destaca lo mejor del pensamiento, la investigación y la experimentación artística, prestando este año especial atención al diálogo entre Europa y el Norte de África.

La elección de Murcia y Cartagena como sedes de Manifesta 8 está motivada fundamentalmente por la riqueza derivada de la mezcla de culturas, islámica, judía y cristiana, en la región, por su situación como enclave estratégico en el Mediterráneo y, sobre todo, por constituir un crisol cuyo patrimonio cultural abarca desde destacados ejemplos de arquitectura romana (como el anfiteatro de Cartagena, hasta ciudades visigodas, medinas árabes, iglesias barrocas o ejemplos de arquitectura modernista. Dada la atención internacional suscitada por temas como la migración, la condición de refugiado, el transnacionalismo y las nuevas fronteras de Europa, tanto geográficas como psicológicas, la Región de Murcia constituye una plataforma privilegiada para proyectos en los que los artistas contemporáneos pueden plantear estas cuestiones situándolas en un contexto histórico más amplio.

El 85% de los obras de artistas presentes en Manifesta 8 son producciones específicamente realizadas para ser expuestas en las doce sedes que M8 tiene en las ciudades de Cartagena y Murcia, una característica inusitada dentro del contexto de las bienales de arte. De esta manera, Manifesta 8 privilegia la producción de piezas que tengan relación con el contexto en el que serán presentadas, así como con el concepto que preside esta edición: el Diálogo con el Norte de África.

Otra singularidad de esta edición de Manifesta es el comisariado colectivo desarrollado por tres grupos curatoriales procedentes de diferentes partes de Europa y áreas del Mediterráneo como África, Oriente Medio y Europa central: Alexandria Contemporary Arts Forum (Egipto), Chamber of Public Secrets (Escandinavia, Italia, Reino Unido y Oriente Medio) y tranzit.org (Centroeuropa), responsables tanto del enfoque temático como de la selección de artistas. Los tres colectivos curatoriales darán respuesta al reto planteado por la pregunta en torno al diálogo transregional y transcontinental utilizando distintos formatos: desde una serie de debates televisados (incluyendo dos episodios de un conocido programa de entrevistas de la cadena árabe Al Jazeera) hasta la publicación de un libro de 420 páginas centrado en las condiciones, imaginarios y narrativas comunes tanto a países post- coloniales como post-comunistas, o la creación de una “incubadora” que investigará el potencial productivo de una Bienal Panafricana itinerante.

Otra de las características de Manifesta 8 es que muchos de los artistas que participan en la Bienal no proceden sólo del mundo del arte visual sino de otras diversas áreas. Son productores cinematográficos, escritores, filósofos, especialistas en medios de comunicación, activistas sociales, etc., de manera que esta circunstancia proporciona una extraordinaria variedad en las diferentes producciones (algo nada común en la mayoría de las Bienales).

La organización de Manifesta 8 es muy consciente de su responsabilidad social -especialmente en tiempos de crisis económica-en relación a la necesidad de construcción de una infraestructura artística regional que perdure en el tiempo más allá de las fechas de celebración de Manifesta 8. Es por ello que se trabaja en el sentido de desarrollar efectos sostenibles en el periodo posterior a la Bienal, tanto en términos de preparación de profesionales locales en diferentes aspectos de mediación, producción cultural y administración, como del acondicionamiento de espacios históricos para su utilización posterior en actividades culturales. Por otra parte, la influencia de Manifesta 8 ha sido calculada en términos del beneficio que el turismo cultural internacional producirá al permanecer varios días en la Región durante su visita a las sedes expositivas.

manifesta8.es

La prueba del algodón

Sólo el 15% de los 51 museos analizados, aprueban el test sobre "transparecia en la red" al que les ha sometido la Fundación Compromiso Empresarial en un nuevo informe sobre el tema, publicado bajo el título de "A través del espejo", que puede consultarse íntegro en este enlace. Los ocho museos mejor valorados, sin alcanzar nota, son, por este orden, el Teatre-Museu Dalí, el Artium - Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), el Museo Colegio de San Gregorio - Museo Nacional de Escultura, el Museo Patio Herreriano, el MARCO - Museo de Arte Contemporáneo de Vigo y la Fundación Museo Jorge Oteiza. Cierran la lista, en este caso con las peores calificaciones, el CGAC - Centro Gallego de Arte Contemporaneo y el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, entre los museos de arte contemporáneo.

Este nuevo informe se enmarca dentro de la iniciativa de la fundación denominada "Transparencia en la Red", que busca impulsar la transparencia y la rendición de cuentas en la red de algunas instituciones públicas y organizaciones no lucrativas que tengan especial impacto en la sociedad. En términos generales, el informe reconoce que los museos publican satisfactoriamente la información sobre las actividades -el 90% lo hacen-, pero se muestran opacos a la hora de exponer públicamente las cuentas financieras -sólo el 20% aportan información sobre decisiones relacionadas con adquisiciones y préstamos de sus colecciones y apenas el 4% ofrecen una referencia general sobre ingresos y gastos- y la información sobre sus visitas -el 82% no ofrece ningún dato sobre el número de visitas y un 88% no aporta información alguna sobre las opiniones de éstos-. Entre los datos reunidos, se señala que si bien el 63% de los museos analizados citan el nombre del director general, este porcentaje disminuye al 39% en el caso de los responsables de los diferentes departamentos y de sus miembros de gobierno.

Informe completo en:

http://www.fundacioncompromisoempresarial.com/images/informemuseos.pdf

Madrid en un saco

Al calor de los numerosos proyectos iniciados en Madrid con el objetivo de cartografiar y comprender las dinámicas que sigue la vida cultural de la capital, nace el proyecto Redada Madrid: sobre metodologías de investigación en cultura.

En los últimos dos años hemos sido testigos de la aparición de iniciativas como Mapear Madrid desde el Centro 2 de Mayo, la publicación del libro Madrid ¿la suma de todos? del Observatorio Metropolitano, el trabajo de cartografía realizado por CARTAC, las jornadas Atravesad*s por la cultura, la iniciativa Madrid City Murmur desarrollado en el marco de Visualizar o las jornadas “¿Qué pasa con Madrid? ¿Qué pasa con el Patio?“. También han aparecido interesantes herramientas de análisis cultural como el Kultu-o-rmeter o el OpenStreetMap que nos permiten visualizar y comprender mejor algunos procesos que acontecen en el seno de las ciudades. Redada Madrid quiere coger el testigo de muchas de estas iniciativas planteándose cuáles son las metodologías y herramientas que se pueden desarrollar para analizar la cultura como un proceso dinámico y cambiante.

Interesa debatir las premisas y métodos que desarrollan muchos de estos procesos de investigación para detectar metodologías y herramientas comunes y negociar entre todos y todas horizontes de resultados deseables. Es necesario conciliar la búsqueda de datos cuantitativos con métodos cualitativos de interpretación y análisis de la cultura. Introducir una mirada intensiva sobre la textura extensiva de la ciudad, entender la cultura como una red de instituciones, empresas, prácticas independientes, procesos autoorganizados, políticas públicas, presupuestos recortados, dinamizadores anónimos y sujetos activos que se cruzan en diferentes puntos de la ciudad.

El proyecto Redada Madrid se lanza sobre esta realidad en un intento de generar una investigación colectiva que tome a la cultura metropolitana como caso de estudio. Tres ejes de investigación servirán para estructurar varias sesiones de trabajo:

1) El papel de las instituciones culturales y su relación con la ciudad

2) Las industrias creativas como modelo económico

3) Las formas de gobernanza cultural que emergen en la ciudad

El proyecto se divide en dos partes, primero y durante una semana un equipo de YP YProductions se reunirá con personas y colectivos que hayan trabajado o se encuentren trabajando en procesos de investigación y análisis de la cultura de la ciudad. Estas sesiones servirán para determinar el momento en el que se encuentran las diferentes investigaciones y para recoger datos y metodologías que se pondrán en práctica a lo largo de la segunda semana.

La segunda semana se realizaran tres talleres públicos en los que se plantearán formas de analizar e investigar los tres ejes. Estos talleres culminarán en presentaciones abiertas de las herramientas, metodologías y proyectos.

Durante la semana habrá presentaciones que estarán estrechamente vinculadas a cada uno de los tres bloques de trabajo determinados. De esta forma, entre todos y todas las asistentes se constituirá un think-tank abierto en el que ahondar sobre la investigación de la cultura con personas que se encuentran inmersas en proyectos de investigación cultural.

Taller Redada Madrid

Días: 15, 16 y 17 de septiembre de 2010 de 17 a 20h

Espacio CAMON. Plaza de Moncloa, 1. Madrid

Actividad gratuíta. Plazas limitadas.

Si quieres inscribirte envía un email a yp@ypsite.net explicando tu interés y vinculación con el tema.

+Info:

http://www.ypsite.net/redada.madrid/?p=1#more-1

Broadcasting Art II

Radio 3, el programa Fluido Rosa y El Centro Párraga de Murcia lanzan la nueva convocatoria del Concurso Internacional de Arte Sonoro Broadcasting Art. Se convocan 3 piezas de Arte Sonoro para esta edición de BROADCASTING ART. Las obras deberán estar generadas desde la práctica del arte sonoro en su versión más abierta y contemporánea entendiendo que exista referencia en ellas a todos aquellos aspectos estéticos, narrativos y técnicos generados a partir de las nuevas tecnologías, tanto analógicas como digitales.

La primera edición de BROADCASTING ART se realizó en el año 2006 en colaboración con el MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y Léon y en la misma participaron 223 artistas de 21 países distintos. Los componentes del jurado fueron Lorenzo Benedetti, Director del Museo de Arte Sonoro de Roma (Italia), Lina Dzuverovic, Directora de la Agencia Electra, Londres (Reino Unido), Christina Kubisch, Artista sonora, Berlín (Alemania), Carlos Ordás, Coordinador de proyectos del MUSAC, Rosa Pérez, Directora del programa Fluido Rosa de RNE3 y Javier Duero, Comisario independiente, Madrid (España).

El fallo del jurado se pronunció durante un evento de presentación que se celebró en el hall del MUSAC, acompañado por la actuación de la artista multimedia norteamericana Laurie Anderson. Se concedieron tres premios, dotado cada uno de ellos con 4.500 euros, a las obras:

Untitled #188, de Francisco López (Madrid, España)
Arquitectural Commentary, de Marc Behrens (Alemania)
American Mosque, de Javier Iriso (León, España)

Y tres accésit por su calidad a las siguientes obras:

Up in the Air, de Matthew Sansom (Reino Unido)
Hive, de Joe Colley (Estados Unidos)
Who Can Tell If I´m Inventing, de Rosa Barba (Alemania)

Con un total de premios de 13.500 €, el plazo de presentación de piezas para la edición BROADCASTING ART II finalizará el próximo 30 de octubre de 2010.

+Info y Bases en:

http://www.rtve.es/noticias/20100607/bases-broadcasting-art-2010/334463.shtml

Manifiesto por la cultura popular

Hace ya tiempo que se puede observar el repliegue de lo social, de modo bastante significativo, en el espacio público. El espacio privado se ha convertido en el bastión de los ciudadanos que sólo participan en la construcción social a través de ritos convenientemente reglados por la lógica del consumo, en un escenario atravesado por la subsunción por parte del capital de toda actividad y donde se alude a lo público, al interés general, exclusivamente en términos instrumentales. La situación política de Madrid en los últimos años se ha regido por una voluntad, por parte del Ayuntamiento, de definir un modelo o imagen de marca. Baste recordar aquí la campaña olímpica de la ciudad, construida sobre una hiperinflación del diseño que abarca operaciones urbanísticas megalómanas [proyecto M30 por ejemplo], una regulación efectiva y estructural de la actividad del espacio público [normativización y control de su uso, imposibilitando a través del urbanismo y el mobiliario urbano ciertas prácticas inconvenientes] y, consecuentemente, el diseño y puesta en marcha de experiencias que pretenden substituir a otras de carácter autónomo.

Así, desde el Ayuntamiento de Madrid se puso en marcha, como alternativa al obviamente molesto botellón, otro tipo de actividad para la organización de la experiencia juvenil tutelada, en un recinto deportivo-disciplinario [polideportivos municipales] que, bajo la denominación La Tarde y La Noche más Joven, mantuvo estos recintos abiertos los viernes hasta la madrugada procurando una opción más concordante con la imagen de la juventud propia del modelo de ciudad definido por el Ayuntamiento.

Parece que a este tipo de iniciativa que no concitó demasiado entusiasmo entre los jóvenes madrileños —¿por qué será?— pertenece la apuesta, en el terreno cultural, de la adopción del proyecto norteeuropeo de La Noche en Blanco. En pleno furor de la campaña contra el botellón, en sus vertientes de control policial y de regulación de experiencias alternativas, el Ayuntamiento dio el paso de instituir en Madrid este evento.

La Noche en Blanco, programa de indudable rentabilidad política en términos de atención mediática y construcción de imagen de ciudad, difunde, sin embargo, un pésimo concepto de lo artístico, en particular, y de lo cultural, en general. La apuesta por un acto celebratorio-espectacular, asociado a la idea de consumo compulsivo, propio de la industria cultural, no deja de ser un intento más de regulación de toda experiencia posible en el marco del espacio público, respondiendo a la necesidad de competir con otras ciudades por ocupar un lugar de relieve en el imaginario colectivo global que, a la postre, se vincula con el imperante. Es decir, pretende construir un simulacro de identidad colectiva para su venta en el mercado doméstico e internacional. Seguramente el casi millón de euros invertidos en este evento podrían tener un mejor destino en un ámbito donde usualmente los artistas trabajan en condiciones de precariedad.

Es la misma precariedad que muchas veces obliga a participar en modelos que, más allá de tentativas reformistas, merecerían el rechazo de unos productores culturales que en estos ámbitos operan como cómplices de la ceremonia de la confusión ya que, al fin y al cabo, sin su concurso LNEB tendría difícil su legitimación, supervivencia y consolidación.

Estos actores, a menudo autoproclamados independientes, entran aquí en escena reforzando, legitimando e instituyendo un teatro y una representación colectiva de la producción de sentido que condenan a la invisibilidad a cualquier intervención realizada en este contexto, con el agravante de que la participación generalizada sumerge a la colectividad en un consenso tácito de tolerancia acrítica.

Es por esta cuestión estructural que toda participación, sea de corte crítico o integrador, sirva al doble propósito de desactivación de sentido y de refuerzo del propio mecanismo de mediación. Así, la financiación pública de la cultura aparece ante nosotros como el dispositivo que junto al consenso y participación universal, destierra definitivamente a la cultura misma, entendida como un entramado de relaciones sociales.

En este punto nos situamos explícitamente en oposición a La Noche en Blanco, fuera del consenso de tolerancia, pidiendo a todos una participación activa en este proceso de negación. Un acto de resistencia ante la instrumentalización, a la vez que señalamos las enormes consecuencias que para un proceso de construcción social conlleva el apoyo y la participación en LNEB.

Manifiesto y adhesiones:

dinoalanocheenblanco.wordpress.com

Plataforma Complutense

intransit es una plataforma creada por la Universidad Complutense de Madrid que apuesta por establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes culturales que operan en cada sector. La plataforma se conforma como una convocatoria pública, unas jornadas de presentación de los proyectos con actividades participativas, un archivo físico instalado en el Centro de Arte Complutense y un archivo digital en la red.

Con esta iniciativa la Universidad Complutense ofrece a los creadores, la visibilidad y difusión de su trabajo y labor creativa, entre la comunidad artística, el sector de la mediación cultural y los medios de comunicación.

En la convocatoria dirigida a todos los creadores relacionados académicamente con la Universidad Complutense de Madrid se recibieron 108 proyectos. Los 20 proyectos seleccionados fueron elegidos por una comisión técnica independiente formada por especialistas en creación emergente.

Artistas: Bárbara Fluxá, Cecilia Sancho, Daniel Silvo, Javier Fresneda, Cristina Garrido, Alicia Martínez, Mutiu, Grupo de Investigación Eyjafjajallajökull, Marta Alonso, Virginia Lázaro, Francoise Vanneraud, Mario Espliego, Irene de Andrés, Marco Godoy, Karlos Gil, Sole Parody, Maillo, Julio Adán, Alejandro Bombin, Almudena Lobera, Aida Bañuelos.

Comisión técnica: Virginia Torrente, Alexis Callado, Marlon de Azambuja.

Speed Arting: Lurdes Fernández y Flavia Introzzi [Off Limits], Pedro Medina [Istituto Europeo di Design], Manuela Villa [Matadero Madrid], Alberto Saáchez Balmisa [Editorial EXIT], Juan Arana [Galería Arana Poveda], René Esteve [Elsinor], Juan Curto [Galería Cámara Oscura], Kamen Nedev [Productor Cultural], Key P. Kawamura y Ali Ganjavian [Studio Banana], Carlos Vidania [La Tabacalera de Lavapiés], Daniel Villegas [Universidad Europea de Madrid].

Speaker´s Corner: La Pieza, Colectivo La Montonera, Colectivo UHF, Asociación RetroACCION, Colectivo Enterarte, David Archilla, ConFUSSION Group, Daños Colaterales, Mediodia Chica, Monoperro, Zuloark.

Actividades: Globos Sonda, Post_inicionate, Pitonisa Bola, Tesoros Urbanos, Pictionary.

Conversaciones con artistas: Revista Claves de Arte.

intransit. Presentación de proyectos
13, 14 y 15 de Julio de 2010. De 11 a 20 h.

c a r t e c
Centro Arte Complutense
Avda. Juan de Herrera, 2. 28040 Madrid

Como llegar:
Metro: Ciudad Universitaria [L6] – Moncloa [L3]
Autobuses: U, G, 46, 82, 83, 132, 133, 162

+Información y programa de actividades en:

www.intransit.es

Innovación universitaria

Por primera vez en la historia de la universidad española, la ANECA (Agencia que regula los títulos universitarios en España) acaba de dar la verificación positiva, siguiendo los criterios de Bolonia, a varios títulos oficiales que refuerzan los lazos entre creatividad e industria cultural.

El Grado en Arte Electrónico y Digital, creado por la Universidad Europea de Madrid, actualiza la oferta de formación para aquellos artistas que necesitan las herramientas propias del siglo XXI como las tecnologías digitales y ofrece una salida creativa a los ingenieros con inquietudes más imaginativas. Este grado aúna la formación de Ingeniería (60%) y de Arte (40%) a lo largo de una carrera de 4 años, necesarias para la creación artística con nuevas tecnologías. Este grado ofrecerá formación en áreas específicas como audiovisual, sistemas y electrónica, programación y redes, teoría e historia, proyectos artísticos, etc

Así mismo, la UEM ha obtenido la verificación positiva del Grado en Artes Escénicas y Mediáticas.

Por otro lado, la Universidad Camilo José Cela, en su campus de Madrid-Arturo Soria, incorpora a su oferta académica una titulación superior en diseño de videojuegos.

La iniciativa, que viene a cubrir un vacío en la oferta académica de Grado Superior y da respuesta a las demandas de una industria emergente de ocio interactivo digital, en la que nuestro país comienza a tener un protagonismo internacional, sigue las directrices del Plan Bolonia en la definición y creación de nuevas carreras y salidas profesionales y se suma a la tendencia iniciada por otras grandes Universidades de Europa y América.

El Plan Académico del nuevo Grado Universitario en Diseño y Desarrollo de Videojuegos consta de cuatro cursos con un programa curricular que incluye disciplinas como el diseño, la creación, la programación, el tratamiento digital de la imagen, la animación, la infografía y el modelado en 3D, la animación en 3D, la producción y la postproducción, el diseño y tratamiento del audio o el marketing del videojuego.


+Info:

Grado en Arte Electrónico y Digital 60% Ingeniería + 40% Arte
Facultad Politécnica + Facultad de Artes y Comunicación
Universidad Europea de Madrid
www.uem.es

Grado Universitario en Diseño y Desarrollo de Videojuegos
ESNE Escuela de Diseño
Universidad Camilo José Cela
www.esne.es

El gusto por el trabajo

No arriesgamos demasiado si afirmamos que el anhelo de un trabajo libre y autónomo nos ha salido un poco rana. El deseo de emancipación y de liberación de un trabajo segmentado y repetitivo ha acabado por convertirse en la principal fuente de inspiración del actual modelo de trabajo flexible y precario. El hecho de tener la posibilidad de trabajar en lo que se quiere, decidir el horario de trabajo, encontrar placer en la actividad que sirve de sustento económico, realizar tareas diferentes y entender el trabajo como una vía para la autorrealización; todas estas aspiraciones han sido reconvertidas y transformadas en el motor del actual modelo laboral postfordista. En este sentido, no dejan de asaltarnos muchas dudas respecto a si acaso no hemos estado escribiendo la hoja de ruta de las nuevas formas de trabajo del capitalismo tardío, ¿Cómo enfrentarnos a esa normalización de un modelo de trabajo que nació desde prácticas de éxodo? ¿Qué pasos podríamos dar para construir una esfera de verdadera autonomía laboral? ¿Se puede ser libre trabajando?

La huida de un trabajo “normal”, el desprecio de unas condiciones regidas por medidas disciplinarias, parecen haber forjado ese extravagante espíritu del trabajador creativo cuyo principal problema no es tanto estar bien o mal pagado como poder disfrutar del trabajo. Tal y como afirma Isabell Lorey, “las prácticas y discursos de los movimientos sociales de los últimos treinta o cuarenta años no sólo han sido resistentes y se han dirigido contra la normalización, sino que también, al mismo tiempo, han formado parte de las transformaciones que han desembocado en una forma de gubernamentalidad neoliberal” (Lorey, 2006). ¿Hemos asimilado el trabajo precario como una vía para la obtención de mayor libertad o autonomía? ¿Es la actual crisis un buen momento para visibilizar estas contradicciones?

Por otro lado, lejos de pensar en esta situación como producto de una elección propia, parece que nos sometemos a un discurso que nos “invita” al autoempleo y a la autoempresarialidad. La figura del emprendedor ha sido fijada como modelo de subjetivación, como mecanismo para la autoresponsabilización de aquellas y aquellos que no encontramos sustento a nuestra práctica laboral (situación que, obviamente, no es exclusiva del trabajo creativo). Vida y trabajo se funden, empresario y trabajador se aglutinan en una mismo agente que se ve obligado a comportarse como una “máquina competente” (Lazzarato, 2007), pero ¿Para quién trabajamos realmente? ¿Nos autoexplotamos o trabajamos intensamente en los que nos apasiona? ¿Acaso es malo disfrutar trabajando?

Y sin embargo, en las nuevas formas de trabajo parece que se ha desarticulado cualquier posibilidad de organizarse colectivamente, de emprender una nueva maniobra que actualice las prácticas sindicales conforme al nuevo estado de cosas. ¿Existen experiencias de innovación política que podamos tomar como referente? ¿Qué tipo de conflictos pueden situarnos en un frente reivindicativo común? Y también: ¿podemos tomar ya algunos modelos empresariales como embriones de formas autónomas de colectivización del trabajo? ¿Nos pueden servir algunos nombres como “empresas políticas” o “empresas del procomún”?


PROGRAMA

-Sede MediaLab Prado

·Seminario La Riqueza de las Redes

Dirigido por Yochai Benkler

Del 29 de junio al 1 de julio.


-Sede Traficantes de Sueños

·Conferencia. Captura y resistencia del trabajo creativo. Del emprendizaje a la autonomía

YProductions (Barcelona)
Serpica Naro (Milán)

Viernes, 2 de julio.19.30h


·Taller para los que disfrutan trabajando (¿o no tanto?). Del malestar a la autoorganización

11: 00 Autoevaluación de las condiciones de trabajo

17: 00 Formas de organización y colectivización del trabajo

19: 30 Nuevas formas de empresa

Sábado, 3 de julio.


Los talleres son cerrados, se ruega inscribirse en caso de estar interesado en:

disfrutamostrabajando@gmail.com

+Info: http://paraquienesdisfrutamostrabajando.net

Playful & Playable

Es un programa de actividades que aborda las nuevas relaciones entre el ámbito de los videojuegos y la cultura contemporánea desde la postura de autores, creadores y colectivos independientes. En estos procesos fuera de las corrientes más mayoritarias y comerciales, la experiencia de juego trasciende los espacios lúdicos y jugables para instalarse en el territorio de la actividad crítica y creativa.

El programa, que se extiende durante todo el segundo semestre del 2010 con encuentros, talleres, live acts y proyecciones sobre el análisis y la prospección del videojuego como proceso cultural, comienza con una muestra de proyectos que abordan la relación dialógica entre jugador y autor-diseñador-desarrollador de un modo diferente al habitual. Desde esa cercanía que aporta la distribución digital de contenidos, que evita intermediarios innecesarios y a veces perniciosos para esta comunicación, se construyen nuevos tipos de procesos lúdicos que integran contenidos más libres y experiencias más sofisticadas.

La Narrativa Interactiva, que surge del maridaje lógico entre los relatos hipertextuales y el videojuego como medio, es una corriente emergente dentro de la comunidad de desarrolladores independientes contemporáneos. Al igual que ocurre con la música, el lenguaje vernáculo del videojuego tiene mucho que ver con la sinestesia.

PLAYFUL & PLAYABLE Crítica y Experimentacion con Videojuegos

Proyecto Amarika.

Comisariado: Lara Sánchez Coterón

Del 24 de junio al 15 de septiembre 2010, Vitoria-Gasteiz.

http://www.amarika.org/play/

La Escuela de Junio es un laboratorio experimental sobre arte y educación organizado por el grupo de trabajo Co·labor. La Escuela de Junio es un conjunto de actividades dirigidas a desarrollar nuevos enfoques didácticos en la educación artística y se celebrará del 2 al 5 de junio en Rampa, espacio de producción independiente ubicado en Madrid.

Rampa acoge la presentación pública de Co·labor, un proyecto del Aula de Propulsión Escópica. Co·labor es un grupo de trabajo para la puesta en marcha de un programa de estudios independiente orientado hacia la experimentación de metodologías investigadoras y a la producción de conocimiento divergente. El grupo, formado por artistas y creadores madrileños, viene reuniéndose en privado desde febrero de este mismo año, e inicia ahora en Mayo su actividad pública a través de su web, la presentación de su boletín y los encuentros planeados para junio y la temporada de otoño.

La Escuela de Junio se compone de varias actividades en las que cada miembro del grupo de trabajo pondrá en práctica los contenidos y metodologías de su propia línea de trabajo. Para ello invitamos a todo investigador, estudiante o profesional interesado a participar en la escuela a generar debate sobre el interés, los contenidos o la viabilidad de la iniciativa.

Sobre el evento: http://proyectorampa.net/laescueladejunio/

Sobre Co·labor: http://escopica.net/colabor/

Museos y futuro

Un año más, los museos de todo el mundo celebran el 18 de mayo el Día del Museo, una jornada en la que se quiere recordar a la sociedad que las tareas que tienen asignadas derivan del mandato de colaborar en el desarrollo de una ciudadanía instruida, crítica y democrática. Pero la de hoy no es exactamente una jornada de celebración, pues en estos últimos tiempos poco hay que celebrar en los museos de casi todo el mundo, sino una jornada de recuerdo del compromiso con las obligaciones culturales y cívicas que la propia sociedad ha establecido que los museos tengan.

La lógica económica, hasta ahora, ha hecho que las crisis y sus consecuentes reducciones presupuestarias se ceben con los sectores menos productivos, considerados incluso ornamentales por la sociedad y por los poderes públicos. Entre ellos, sin duda, se encuentra la cultura en general y los museos en particular (en 2010 las reducciones en los presupuestos de los museos de arte contemporáneo en España han oscilado entre un diez y un treinta por ciento). Sin embargo, en un momento económico como este en el que estamos inmersos, la lógica utilizada hasta hoy no es la que debería aplicarse a la cultura: necesitamos un cambio de modelo productivo, y parece que todos estamos de acuerdo en esto.

Se ha demostrado que la cultura, en los últimos años, es un sector en crecimiento (de hecho, hace ya tiempo que se habla de industrias culturales), capaz de aportar, según el avance ofrecido por la Cuenta Satélite de la Cultura, casi un cuatro por ciento al producto interior bruto. Por sectores, las artes plásticas se sitúan en el cuarto lugar de las aportaciones con las que se mide dicho índice. Es indudable que en la última década los museos se han convertido (en especial los dedicados al arte contemporáneo) en elementos articuladores de numerosas empresas relacionadas con el sector: galerías de arte, empresas de transporte y montaje, gabinetes de diseño, empresas de restauración, imprentas, revistas de arte, etc. Quiere decir esto que, por fin, los museos hemos empezado a quitarnos el sambenito de la falta de productividad en términos económicos; pero, además de empezar a valorarnos como un sector que tiene mucho que aportar a la nueva economía, debe añadirse lo que realmente aportan los museos a la sociedad: creatividad, innovación, educación, investigación, conocimiento y conservación del patrimonio colectivo. Es esta la verdadera contribución social de los museos, una contribución cuyo valor se mide en el largo plazo y no en el inmediato. Invertir en cultura, invertir en patrimonio, conocimiento y educación es construir futuro.

Por todo ello insistimos en la necesidad de mantener el apoyo institucional y social a las estructuras museísticas, que aún están en pleno desarrollo; cortar su impulso, castigando sus ya escasos presupuestos, es cercenar un futuro mejor para nuestra sociedad.

Lo celebramos el 18 de mayo, sí, pero todos los días que los museos abren sus puertas y ofrecen contenidos valiosos son el Día del Museo porque, en el fondo, todos los días son el Día del Público.

Comunicado oficial de ADACE (Asociación de Directores de Arte Contemporáneo).

http://www.adace.es

Mujeres en las artes

Una mirada al organigrama de los museos de arte en España evidencia que responden a una estructura piramidal, jerarquizada según un modelo masculinizado. Mientras en dirección y en patronatos las mujeres son minoría, sin embargo, el porcentaje se invierte en términos de género en un arco comprendido entre el 85% y el 95% para los cargos subordinados que desarrollan toda la actividad de estas instituciones, ocupados sistemáticamente por mujeres como conservadoras de sección, coordinadoras, departamento didácticos y de comunicación, etc.

En un análisis más detallado sobre la dirección de los museos de arte destaca que la disminución de profesionales mujeres en puestos de dirección se acentúa cuando se trata de museos de alto rango, de más importancia y prestigio y mayores presupuestos económicos. Quizás este pueda ser el motivo de que en Madrid, las veinte instituciones principales estén copadas mayoritariamente por profesionales hombres.

Con ocasión del Dia Internacional de los Museos a celebrar el próximo 18 de mayo, la Asociación de Mujeres en las Artes Visuales Contemporáneas (MAV) -compuesta por 200 profesionales, y que cumple ahora un año de su constitución- ha elaborado un informe que denuncia el "modelo masculinizado" que rige la gestión institucional del arte contemporáneo en Madrid, donde -se recuerda- sólo uno de los 20 museos contemplados -incluídos también museos de arte antíguo- está regido por una mujer mientras que en Barcelona son 4 las mujeres que dirigen alguno de los 15 centros analizados.

Como consecuencia de estos datos, desde MAV se preguntan "si puede atribuirse a este 'modelo masculinizado' la carencia de arte producido por artistas mujeres en las colecciones públicas, debido a la escasez de adquisiciones y, por tanto, la consecuente distorsión en el mercado artístico. ¿Depende de la pertenencia de los directivos al género masculino que expongan tan pocas artistas mujeres en sus instituciones, que en las colectivas sean casi siempre 100% artistas hombres, o que muy pocas comisarias puedan realizar exposiciones en Madrid?

www.mav.org.es

Manifest-Acción!

¿Eres artista y no estás de acuerdo con el pago mínimo o nulo por tu trabajo? ¿Cansado de la falta de apoyo a la creación por parte de las instituciones? ¿Hastiado de los procesos de legitimación del mundo del arte?

Ven a Manifest-Acción!, jornada reivindicativa para reclamar por unas estructuras de trabajo y apoyo a la creación más próximas a las necesidades de l@s artistas contemporáneos.

17 h. Pintada de pancartas e impresiones en vestimentas. Terraza de Off Limits.

18 h. Performance-conferencia sobre la construcción del índice de precariedad artística (I.P.A)

19 h. Acción colectiva, frente al Museo del Prado y el Museo Reina Sofía, en rechazo a la precarización de las prácticas artísticas.

¡¡YO NO QUIERO TENER BUENA SUERTE, AGÁRRATE FUERTE, VEN A LA MANIFEST-ACCIÓN!!

Viernes 14 de mayo.
Espacio Off Limits
Calle de la Escuadra, 11. Madrid.

www.offlimits.es

intransit

La evolución de la compleja situación socio-económica actual obliga a realizar, por parte de la institución universitaria pública, una labor de concienciación a la ciudadanía sobre el valor del trabajo creativo. Entender la cultura como una actividad principal que nos permita aspirar a disponer en un futuro próximo de estándares productivos homologables a los de los países más avanzados, que desde hace décadas se sirven de modelos de crecimiento basados en la educación y el conocimiento.

Es una necesidad imperante el hacer visible este rico capital simbólico y permitir que los creadores realicen su devolución a la sociedad. Los artistas jóvenes, son la cantera de la industria cultural del país, que ya aporta en torno al 4% del PIB nacional.

Sin embargo, las salidas profesionales a sus propuestas son insuficientes, su trabajo se realiza en un contexto de precariedad, y no se da el necesario reconocimiento social a su labor.

La visita al lugar donde el artista trabaja es una práctica habitual dentro del esquema de relaciones e intereses profesionales que se generan entre los creadores y los diferentes agentes culturales durante el desarrollo de su vida profesional. Esta forma de aproximación a la obra de los artistas está ligada a la existencia de residencias, espacios de producción y talleres de trabajo, que facilitan el encuentro y la puesta en común de ideas y estrategias. Esta práctica, ampliamente extendida en muchos países europeos, es un elemento clave en el desarrollo de las carreras profesionales de los artistas, especialmente de los jóvenes y emergentes.

intransit es una plataforma creada por la Universidad Complutense de Madrid que apuesta por establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes culturales que operan en cada sector.

La plataforma se conforma como una convocatoria pública, una exposición de proyectos y un archivo digital en la red.

_Convocatoria pública. La selección de proyectos se realizará mediante convocatoria pública por un comité independiente de expertos que evaluará los trabajos presentados y entrevistará a los creadores candidatos.

_Exposición en el Centro de Arte Complutense. La presentación de proyectos irá destinada a profesionales del sector de las artes visuales como: medios de comunicación especializados, galerías de arte, directores de museos, comisarios de exposiciones, programadores de centros culturales, responsables de plataformas independientes, etc.

_Archivo digital de creadores universitarios. A través de la convocatoria se va a generar una herramienta digital en formato archivo web multimedia que permita dar visibilidad a los trabajos de los creadores. Con este fín, los seleccionados no renuncian a sus derechos sobre el material gráfico y audiovisual, autorizando de forma temporal y sin carácter de exclusividad su publicación.

www.intransit.es

Los artistas del barrio

Los próximos días 8 y 9 de mayo se celebrará en Madrid la séptima edición de "Los Artistas del Barrio", cita bienal que ofrece al público contemplar arte fuera de los circuitos en los que éste se muestra habitualmente. Sólo durante el próximo fin de semana abrirán sus puertas a los visitantes interesados 46 casas, talleres y espacios culturales donde viven y crean más de un centenar de artistas, mostrando de primera mano, no sólo su producción, sino también su forma de vida y sus mecanismos de trabajo.

Entre los creadores participantes, que emplean disciplinas y formatos muy heterogéneos, destacan veteranos en esta muestra como Susan Mowbray o Charles Orlsen y autores emergentes como el fotógrafo Zdenek Tusek, el colectivo Bonus Extra o la editorial La Más Bella. Algunas galerías y espacios de arte alternativos de la zona (como Columpio, Espacio Espora o E-4 Arte) también se unirán a esta propuesta, así como grupos de intervención urbana como La Pluma Electrik y Esta es una Plaza.

En dos puntos de encuentro preparados para la ocasión, la Casa de los Jacintos y el bar Badulake, el público podrá adquirir una guía de los artistas participantes en este certamen y un mapa donde poder localizarlos.

Este innovador concepto de exposición nació en Bruselas de la mano de Eponine Franckx, y antes de su entrada en Madrid ya había sido implantado con éxito en otras capitales europeas, como París o Barcelona.

www.losartistasdelbarrio.net

Trabajo, excelencia y rigor

El director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, ha sido designado miembro la American Academy of Arts and Sciences (Academia Americana de las Artes y las Ciencias). Se une así a una inmensa lista de personalidades célebres, que han pertenecido (la Academia se creó en 1780) o pertenecen a la prestigiosa organización: John Adams, James Bowdoin, Benjamin Franklin, Thomas Jefferson, George Washington, Alexander Graham Bell, Charles Darwin, Albert Einstein, John F. Kennedy, Martin Luther King, Henri Cartier-Bresson, Winston Churchill, Pablo Neruda, Laurence Oliver o Alexander Solzhenitsyn.

Los miembros, según la Academia, “han destacado por su pensamiento innovador en todo tipo de materias y profesiones; entre ellos se incluyen más de doscientos cincuenta premios Nobel y Pulitzer”. A la hora de elegir un nuevo miembro, la Academia tiene en cuenta, y así rezan sus estatutos, su aportación de cara a “la innovación intelectual, con el fin de preservar el arte y la ciencia y que ello represente un avance para la independencia, y la dignidad social”.

La Academia Americana de las Artes y las Ciencias, con sede en Cambridge (Massachussets, EEUU), fue fundada en 1780. Es un centro de investigación independiente que lleva a cabo estudios multidisciplinarios sobre problemas complejos y emergentes. Los miembros electos son personalidades de reconocido prestigio en diversas disciplinas: las artes, las ciencias y los asuntos públicos.

La Academia tiene varios objetivos: La promoción de acciones y el estudio mediante el análisis de críticos e intelectuales de cuestiones sociales y el desarrollo de alternativas de política práctica; fomentar la participación pública y el intercambio de ideas a través de reuniones, conferencias o simposios, aportando perspectivas para el examen de cuestiones de interés común. Asimismo, se interesa por la creación y promoción de una nueva generación de estudiosos y pensadores a través del Programa de Investigadores Visitantes y del Programa de Becas Hellman.

http://www.amacad.org

Miedo y crisis

La intervención-exposición de DosJotas "Cerrado por quiebra", programada del 20 de abril al 3 de mayo en la sala "Espacio F", situado en el mercado de Fuencarral en Madrid, ha sido censurada por el centro comercial debido a que daba mala imagen.

El proyecto, consistía en colocar un cartel en la puerta de la sala de exposiciones "Espacio F", en el Mercado de Fuencarral, centro comercial de Madrid, con la frase "cerrado por quiebra".

Durante el tiempo que durase la exposición la sala debía de permanecer cerrada.

Esta situación duró un día, el propio centro Mercado de Fuencarral, decidió que ese cartel podía crear confusión entre sus consumidores y a su vez dañar la imagen del propio mercado, por lo que decidió quitar el cartel y abrir la sala, sin preguntar o dar explicaciones al artista o a la organización del espacio expositivo.

La obra pasó de "cerrado por quiebra" a "censurado por mala imagen".

DosJotas es el alter ego de un artista madrileño que viene convirtiendo meros peatones en espectadores de obras de arte urbano que invitan a reflexionar sobre la sociedad de masas, la seguridad. DosJotas focaliza su trabajo sobre el arte urbano, un arte “low-cost” , en algunos caso al limite de la legalidad y en muchos casos auto subvencionados.

http://www.publico.es/culturas/306424/arte/politico/toma/calle

Arquitectura y precariedad

Las empresas de arquitectura constituyen un conjunto empresarial altamente especializado que goza de una tradición y un prestigio social sólidos, y que ha vivido recientemente una época de gran prosperidad. Sin embargo, los trabajadores/as de este sector (la base de la pirámide) ha sido y es maltratada en materia laboral. Las prácticas laborales ilegales contra profesionales de estas empresas son generalizadas. De manera inconsciente los estudios de arquitectura se han adentrado en la precariedad y el subempleo, arruinando el prestigio social y la idea de calidad inherente a la profesión.

A pesar de que algunos colegios profesionales han hecho esfuerzos importantes, (COAM, COAC) parte del problema es que carecen de algunas competencias necesarias para ello, como por ejemplo, la negociación colectiva, siendo éstas explícitamente reconocidas por la Constitución a los sujetos protagonistas del conflicto, sindicatos y patronal.

Por ello, el SAE fue constituido el 2 de noviembre de 2009, por un grupo de arquitectos y arquitectas que llevaban tiempo trabajando, desde diferentes frentes, en la defensa de los intereses del sector.

Un paso muy importante en la defensa de los derechos laborales de los arquitectos/as y demás profesionales de la Arquitectura, que complementará las acciones informativas que algunos Colegios de Arquitectos (Madrid, Barcelona) y el CSCAE (Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España ) han llevado a cabo para la erradicación del empleo ilegal y la precariedad laboral en el ámbito de la arquitectura.

El ámbito profesional del SAE es el de arquitectos/as y profesionales de la arquitectura, en un sentido amplio, definiéndose éste en sus estatutos. Aunque el sindicato nace de un colectivo de arquitectos/as, el ámbito profesional se ha abierto al resto de trabajadores/as empleados/as en empresas del mundo de la arquitectura, entendiendo el sindicato como una corporación de defensa de intereses generales de los trabajadores/as de estas empresas.

¿Qué tipo de Arquitectos? Becarios, Profesores , Investigadores,empleados contratados, arquitectos en promotoras o empresas de tasación, falsos autónomos, arquitectos autónomos, arquitectos autónomos en pequeños estudios de arquitectos asociados, etc.

Presentación SAE. Jueves 29. a las 19.30
Madrid Hub, C. Gobernador 26, (detrás del Caixa Forum)

www.sindicatoarquitectos.es

¿Quién está detrás de la cultura?

La producción estética actual se ha integrado en la producción de mercancías en general. Las prácticas artísticas generadas en el Estado español a finales del siglo XX y principios del XXI, así como las políticas culturales impulsadas por las instituciones, deberían analizarse teniendo en cuenta las transformaciones producidas en la relación entre economía y cultura y el nuevo rol asignado a las llamadas industrias creativas.

Los efectos de estas transformaciones se pueden apreciar en Andalucía a través de la puesta en marcha de una serie de iniciativas que, presentadas como apoyo e impulso al arte "más innovador", esconden la aplicación de recetas de corte neoliberal al ámbito de la producción cultural: estímulo de la forma-empresa y la inversión privada, fortalecimiento de la figura del emprendedor cultural, externalización de funciones de lo público, extracción de rentas inmobiliarias a través de planes aplicados a los llamados "distritos creativos", etc. En este mismo marco hay que situar la celebración de bienales, la creación de nuevos centros de arte, espacios, programas, la organización de congresos y encuentros sobre industrias culturales o algunas reestructuraciones administrativas.

Con el propósito de superar este marco de trabajo e imaginar una transformación de la actual situación, en el año 2008 se constituye REU08, una plataforma que pretende: estimular la creación de proyectos colectivos que trabajen por lo común; amortiguar la polarización que, en estos momentos y en diversos ámbitos, se produce entre prácticas políticas y prácticas estéticas; desarrollar una coinvestigación sobre las condiciones (tanto reflexivas y propositivas como de sustento de la vida) en las que se mueven lxs creadores y sobre las políticas institucionales que les afectan. Crear, en definitiva, una estancia o espacio de transacción que ayude a revisar conceptos, promover puntos de acercamiento, equilibrar capacidades enunciativas, establecer cierta referencialidad, activar aquellas prácticas que generan imágenes, alegorías y textos que resaltan las dimensiones pedagógicas y cognitivas de la cultura.

Las Jornadas de presentación del proyecto REU08 en Sevilla, tendrán lugar los días 28, 29 y 30 de abril de 2010 en la sede del Rectorado de la UNIA.

www.r08.es

6 Euros

Presupuesto: 6 euros. Prácticas artísticas y precariedad es una exposición de los proyectos seleccionados en la convocatoria del mismo título, una denuncia creativa de Cabello/Carceller.





A pesar de que en gran parte de la sociedad permanece asentada la idea de que el arte y los artistas ocupan un espacio económicamente boyante, se trata de un contexto en el que los modos de hacer están cada vez más extendidamente precarizados. La exposición se plantea como una propuesta abierta desde la consciencia de que esa situación debe mejorar así como de la necesidad de su denuncia para poder pensar el presente.




Artistas invitados: Jana Leo y Daniel G. Andújar.

Artistas participantes: Art to Complete, Bonifacio Barrio Hijosa, Ángela Cuadra, Ignacio Chávarri, Alberto de Pedro, colectivo 3x2, colectivo Daños Colaterales, colectivo Dientes de Ojo, Momu & No Es, colectivo Sécolectivoforzoso, Javier Cruz, Fermín Diez de Ulzurrun, DosJotas, colectivo: [E.G+Y.M], Juan Gil Segovia, Juan Gimeno Ramallo y Antonio Díaz Correa, Albano y Cristina González, Nuria Güell, José Jurado Gómez, José Antonio Juárez Seoane, Natalí Larriera Glasserman, Ana Matey, Sofía Misma, Daniela Ortiz, Elvira Palazuelos, Alfred Porres Pla, Anna Raimondo, Miranda & Mirón, Ben Roberts Eclectiktronik, Mikel Telleria y Alejandra Valero.

Exposición en Off Limits
Presupuesto: 6 euros. Prácticas artísticas y precariedad
Del 23 de abril al 21 de mayo L a V 12 a 20 h S de 12 a 14 h

Artículo de Bea Espejo en El Cultural:

http://www.elcultural.es/noticias/ARTE/427/Bajo_minimos-_Es_el_arte_precario

+Info:

www.offlimits.es

Interreg

El programa Interreg Ciudades 3.0 ha cerrado su primer año de funcionamiento con un balance más que satisfactorio. En el marco de este proyecto, las ciudades de Huesca, Tournefeuille y Olot movilizan y mutualizan recursos culturales y socios artísticos en relación con todas sus redes internacionales, para convertirse conjuntamente en lugares de experimentación cultural. En esta perspectiva, el proyecto es realmente transnacional. Fue concebido conjuntamente mediante numerosas reuniones e intercambios de textos, ideas, propuestas durante todo el año 2007. Su realización y evaluación se hará también conjuntamente.

Elaborado a partir de las políticas culturales de las tres ciudades, el proyecto abarca las grandes directivas de la Agenda 21 por la Cultura y de la declaración de la UNESCO sobre la diversidad cultural. En esta óptica, se busca sistemáticamente la creación o consolidación de empleos, el respeto del medio ambiente y del desarrollo sostenible, la igualdad de oportunidades y el uso de las nuevas tecnologías de la información y de la comunicación.

La ciudad se convierte así en un laboratorio urbano donde se construye una nueva centralidad, una nueva relación entre el arte, el territorio y los habitantes, en un proceso de experimentación compartida, involucrando ideas y acciones, responsables políticos y artistas, gestores y escritores, arquitectos y artistas plásticos, diseñadores y coreógrafos, músicos e inventores, urbanistas y escenógrafos..., para inventar la ciudad de mañana, la ciudad versión 3.0.

Este proyecto se inscribe en la continuidad de una acción llevada a cabo entre 2004 y 2006 por las ciudades de Huesca y Tournefeuille, en el marco del Interreg IIIa. En términos de valor añadido, ahora se intenta consolidar las estructuras, los equipos y las acciones en estas dos ciudades, a la vez que todo ello se extiende a una tercera ciudad, Olot.

Según la evaluación del primer proyecto, se decidió que Ciudades 3.0 abarcaría un importante dispositivo de transferencia de buenas prácticas, desde un punto de vista teórico (reflexión, estudios, ideas, intercambios sobre logros y dificultades, formaciones transnacionales, etc.) y también práctico (acciones transnacionales de concepción y realización exclusivamente conjunta para mutualizar los recursos y los medios y realizar conjuntamente lo que una ciudad sola no podría).

Ciudades 3.0. LaboratorioCulturaFuturo encaja perfectamente en el objetivo de "Estructuración territorial" del eje 3 del programa operacional de cooperación territorial España-Francia-Andorra (Interreg IVa).

A fecha de hoy, este programa operativo de cooperación territorial que cuenta con un presupuesto de más de un millón y medio de euros, ya ha ejecutado el 48% del montante económico total.

www.ciudades3-0.eu